Por eso, cuando hablamos de géneros y subgéneros del terror, no existe una única fórmula. Algunas películas buscan asustarnos con una presencia sobrenatural, otras con la violencia, la incertidumbre o aquello que puede esconderse dentro de nuestra propia mente.

Desde el terror gótico y las primeras películas de monstruos hasta el slasher, el body horror y el folk horror, estos son algunos de los principales tipos de terror que existen en el cine.

Terror gótico

El terror gótico es una de las grandes raíces del cine de terror. Sus historias suelen desarrollarse en castillos, mansiones, ruinas y otros espacios oscuros, donde aparecen secretos familiares, criaturas sobrenaturales, fantasmas y personajes perseguidos por su pasado.

Sus raíces están en la literatura gótica del siglo XVIII, especialmente desde la publicación de El castillo de Otranto, de Horace Walpole, en 1764. El cine tomó posteriormente muchos de sus elementos y los convirtió en parte de su propia estética. El expresionismo alemán de las décadas de 1910 y 1920 fue fundamental para construir ese imaginario, con películas como Nosferatu (1922), mientras que Drácula (1931)  y Frankenstein (1931) ayudaron a consolidar sus grandes figuras.

Terror sobrenatural

El terror sobrenatural presenta amenazas que no pueden explicarse mediante las leyes de la realidad. Fantasmas, espíritus, demonios, maldiciones y entidades desconocidas forman parte de sus historias, que suelen enfrentar a los personajes con aquello que escapa a toda explicación racional.

Sus antecedentes aparecen prácticamente desde los comienzos del cine fantástico. Durante el cine mudo, y especialmente con el expresionismo alemán, comenzaron a desarrollarse muchas de las imágenes y atmósferas que luego se convertirían en convenciones del género. El gabinete del doctor Caligari (1920) y Nosferatu (1922) son dos ejemplos fundamentales de esa primera etapa, mientras que décadas más tarde películas como El sexto sentido (1999) y El conjuro (2013) llevaron el terror sobrenatural a nuevas generaciones.

Terror psicológico

El terror psicológico lleva el miedo hacia la mente de los personajes. La paranoia, los traumas, las obsesiones y la dificultad para distinguir entre realidad y fantasía pueden ser más importantes que cualquier monstruo o amenaza sobrenatural.

Sus antecedentes pueden encontrarse en el expresionismo alemán de los años 20, aunque el subgénero adquirió una identidad cada vez más definida durante el siglo XX, a medida que el cine comenzó a explorar la subjetividad de sus protagonistas. El resplandor (1980) convirtió el aislamiento y la pérdida de control en una experiencia aterradora, mientras que películas posteriores como El cisne negro (2010), Hereditary (2018) y Saint Maud (2019) llevaron esa exploración hacia la identidad, la familia y la percepción.

Terror de fantasmas

El terror de fantasmas tiene como protagonistas a espíritus o apariciones de personas fallecidas que regresan al mundo de los vivos. Muchas de estas historias utilizan casas, hoteles, hospitales u otros espacios cargados de recuerdos para construir una atmósfera inquietante.

Es uno de los tipos de terror más antiguos del cine. Sus primeras manifestaciones pueden rastrearse hasta las películas de trucajes de finales del siglo XIX, cuando cineastas como Georges Méliès utilizaron efectos visuales para crear apariciones y transformaciones. Con el tiempo, el subgénero fue mucho más allá del susto y comenzó a utilizar a los fantasmas para hablar de la muerte, la memoria y la culpa, como ocurre en Los otros (2001), El orfanato (2007) o El aro (1998).

Terror de posesiones

En el terror de posesiones, una persona es controlada por una entidad sobrenatural. La lucha por recuperar el cuerpo y expulsar a esa presencia suele convertirse en el centro de la historia, muchas veces acompañada por rituales, exorcismos y conflictos relacionados con la fe.

Aunque las historias de posesiones existen desde mucho antes que el cine, el subgénero alcanzó una enorme popularidad con El exorcista (1973), dirigida por William Friedkin y basada en la novela de William Peter Blatty. Su enorme impacto convirtió las posesiones demoníacas en uno de los grandes clásicos del terror y abrió el camino para películas como El exorcismo de Emily Rose (2005) y El conjuro 2 (2016).

Folk horror

El folk horror encuentra el miedo en las tradiciones, las creencias y los rituales de comunidades aisladas. Sus protagonistas suelen llegar a lugares donde las costumbres locales son desconocidas para ellos y terminan enfrentándose a prácticas que desafían su propia manera de entender el mundo.

El término comenzó a utilizarse especialmente para describir una corriente del cine británico de finales de los años 60 y principios de los 70. El general de las brujas (1968), La garra de Satán (1971) y El hombre de mimbre (1973) fueron fundamentales para establecer sus características. Décadas más tarde, La bruja (2015) y Midsommar (2019) recuperaron esa combinación de aislamiento, rituales y creencias ancestrales desde perspectivas contemporáneas.

Slasher

El slasher suele presentar a un asesino que persigue a un grupo de personajes y los mata uno por uno. La persecución, la identidad del asesino y las diferentes formas de representar los crímenes son algunos de sus elementos más reconocibles.

Aunque tiene antecedentes en películas como Psicosis (1960) y Peeping Tom o El fotógrafo del pánico (1960), ambas estrenadas en 1960, el subgénero adquirió sus características más reconocibles durante los años 70 y 80. Halloween (1978), de John Carpenter, fue fundamental para su consolidación y abrió el camino para títulos como Viernes 13 (1980) y Pesadilla en Elm Street (1984). Años después, Scream (1996) recuperó sus convenciones y, al mismo tiempo, jugó con ellas.

Giallo

El giallo nació en Italia durante los años 60 y combina elementos del misterio, el thriller, el policial y el terror. Los asesinatos, las investigaciones, las identidades ocultas y una puesta en escena particularmente estilizada son algunas de sus características más reconocibles.

Su nombre proviene de las novelas policiales italianas de tapas amarillas. Mario Bava fue uno de sus grandes pioneros, mientras que Dario Argento llevó el estilo a una enorme popularidad durante los años 70 con películas como El pájaro de las plumas de cristal, Rojo profundo (1975) y Suspiria (1977). Aunque no todas sus obras encajan de la misma manera en el género, Argento se convirtió en una de sus figuras fundamentales.

Body horror

En el body horror, el cuerpo humano se convierte en el principal escenario del miedo. Mutaciones, enfermedades, transformaciones, mutilaciones y pérdida de control físico son algunos de sus recursos más frecuentes.

Aunque existen antecedentes anteriores, el subgénero tomó especial fuerza durante los años 70 y 80. El cineasta canadiense David Cronenberg fue una de sus figuras fundamentales con películas como Shivers (1975), Rabia (1977), Videodrome (1983) y La mosca (1986), utilizando muchas veces el cuerpo para hablar de identidad, sexualidad, enfermedad o tecnología. En el cine contemporáneo, Raw (2016) y Titane (2021) llevaron esas preocupaciones hacia nuevas formas de transformación corporal.

Gore

El gore lleva la representación de la sangre, las heridas y las mutilaciones a un nivel explícito. En este tipo de películas, la violencia gráfica puede convertirse en uno de los principales recursos para generar impacto, repulsión o incluso humor negro.

Aunque el cine de terror ya había utilizado imágenes sangrientas, el gore comenzó a desarrollarse como una corriente reconocible especialmente durante los años 60, con cineastas como Herschell Gordon Lewis, cuya película Banquete de sangre (1963) suele ser considerada una de las obras pioneras del género. Con el tiempo, el recurso apareció en películas muy diferentes entre sí, desde Braindead (1992) hasta fenómenos contemporáneos como Terrifier (2016).

Found footage

El found footage presenta la historia como si hubiera sido construida a partir de grabaciones encontradas: cámaras domésticas, filmaciones personales, cámaras de seguridad u otros registros que aparentan ser reales.

Uno de sus antecedentes más conocidos dentro del terror es Holocausto caníbal (1980), de Ruggero Deodato, aunque el recurso alcanzó una popularidad masiva con The Blair Witch Project (1999). Durante los años 2000, películas como REC (2007) y Actividad paranormal (2007) demostraron que esta estética podía convertirse en una forma especialmente efectiva de generar la sensación de que los acontecimientos realmente estaban ocurriendo frente a la cámara.

Terror de monstruos y criaturas

El terror de monstruos y criaturas enfrenta a los protagonistas con seres capaces de representar una amenaza física. Pueden ser criaturas sobrenaturales, animales, extraterrestres o incluso organismos creados mediante experimentos científicos.

El cine de monstruos tuvo un momento fundamental durante los años 30, cuando los estudios de Hollywood convirtieron a personajes como Drácula (1931), Frankenstein (1931), la Momia (1932) y el Hombre Lobo (1941) en grandes íconos del terror. El subgénero continuó transformándose y encontró nuevas formas de generar miedo: Tiburón (1975) convirtió a un animal real en una amenaza aterradora, mientras que Alien, el octavo pasajero (1979) y Cloverfield (2008) llevaron el concepto hacia criaturas de origen desconocido.

Terror de vampiros

El terror de vampiros es uno de los subgéneros más antiguos y reconocibles del cine. Sus historias suelen girar alrededor de criaturas que se alimentan de sangre y que, dependiendo de la época, pueden aparecer como monstruos, figuras seductoras, seres trágicos o personajes románticos.

El vampiro tiene raíces en distintas leyendas y tradiciones, pero la versión moderna quedó fuertemente asociada con Drácula, la novela publicada por Bram Stoker en 1897. En el cine, Nosferatu (1922) se convirtió en una de sus primeras representaciones fundamentales y, décadas más tarde, películas como Entrevista con el vampiro (1994) y Déjame entrar (2008) demostraron hasta qué punto el personaje podía alejarse del monstruo clásico.

Terror de zombis

Las primeras películas de zombis aparecieron durante la década de 1930, pero la figura del muerto viviente cambió radicalmente con George A. Romero. Su película La noche de los muertos vivientes (1968) redefinió al zombi y estableció muchas de las características que todavía reconocemos en el género.

A partir de Romero, los zombis también se convirtieron en una herramienta para hablar de otros problemas. El amanecer de los muertos (1978) utilizó a los muertos vivientes para construir una mirada sobre la sociedad de consumo, mientras que películas posteriores como 28 días después (2002) y Estación zombie: Tren a Busan (2016) exploraron el apocalipsis, la supervivencia y el comportamiento humano frente a una crisis.

Terror de ciencia ficción

El terror de ciencia ficción combina los recursos del horror con temas propios de la ciencia ficción: tecnología, experimentos, extraterrestres, mutaciones, inteligencia artificial y futuros distópicos.

Sus antecedentes aparecen desde las primeras décadas del cine, pero tuvo un enorme desarrollo durante los años 50, cuando los temores relacionados con la tecnología, las armas nucleares y las mutaciones comenzaron a ocupar un lugar central. Décadas después, Alien convirtió una nave espacial en un escenario de terror, La cosa llevó el miedo hacia la transformación y la paranoia, y películas como Ex Machina exploraron los peligros asociados con la inteligencia artificial.

Terror cósmico

El terror cósmico enfrenta a la humanidad con fuerzas antiguas, desconocidas e incomprensibles. En lugar de centrarse únicamente en el peligro físico, este tipo de horror juega con la idea de que existen realidades y entidades que están completamente fuera de nuestra capacidad de comprensión.

Sus principales raíces se encuentran en la literatura de H. P. Lovecraft, especialmente en los relatos publicados durante las décadas de 1920 y 1930. Su influencia llegó posteriormente al cine y puede encontrarse, con diferentes niveles de fidelidad, en películas como El vacío (2016), Color del espacio (2019) y El infinito (2017), donde el miedo surge también de enfrentarse con algo que supera los límites de la experiencia humana.

Terror social

El terror social utiliza los recursos del género para explorar conflictos presentes en la sociedad, como el racismo, la desigualdad, la violencia, la discriminación y las relaciones de poder.

Aunque el cine de terror siempre estuvo atravesado por los problemas de cada época, algunas películas hicieron de esas cuestiones el centro de sus historias. La noche de los muertos vivientes (1968) es uno de los ejemplos históricos más estudiados, mientras que Candyman (1992) y ¡Huye! (2017) utilizaron el horror para abordar distintas formas de violencia y discriminación en la sociedad estadounidense.

Terror feminista

El terror feminista utiliza el género para explorar experiencias vinculadas con el cuerpo, la sexualidad, la maternidad, la violencia y las relaciones de poder. En estas historias, el miedo puede surgir de experiencias cotidianas y de las estructuras sociales que condicionan la vida de sus protagonistas.

No existe una fecha única para su nacimiento. Sus antecedentes pueden encontrarse en películas como Repulsion (1965) y El bebe de Rosemary (1968), mientras que posteriormente distintas cineastas utilizaron el terror para abordar cuestiones relacionadas con la autonomía corporal y las expectativas sociales. El Babadook (2014), Raw (2016), Titane (2021) y Fresh (2022) son algunos ejemplos de películas contemporáneas que pueden leerse desde esta perspectiva.

Comedia de terror

La comedia de terror combina situaciones propias del horror con humor, sátira o parodia. Puede burlarse directamente de las convenciones del género o utilizar el humor negro para hacer todavía más incómodas determinadas situaciones.

Aunque el humor y el terror convivieron desde los primeros años del cine, la combinación se volvió especialmente popular durante el siglo XX. Películas como Muertos de risa (2004), Tucker y Dale contra el mal (2010) y Lo que hacemos en las sombras (2014) demostraron que una historia puede provocar miedo y, al mismo tiempo, reírse de las propias reglas del género.

¿Cuántos géneros y subgéneros del terror existen?

No existe una clasificación definitiva de los géneros y subgéneros del terror, ya que muchas categorías pueden combinarse entre sí. Una misma película puede mezclar terror psicológico, sobrenatural, slasher, ciencia ficción o terror de criaturas, entre otros.

Por eso, más que una lista cerrada, los subgéneros del terror forman un universo que continúa transformándose junto con los miedos de cada época.

La entrada Géneros y subgéneros del cine de terror se publicó primero en El séptimo arte.

¿Cuáles fueron las películas que las llevaron a obtener el reconocimiento? A continuación, te presentamos las ganadoras del Óscar a Mejor Actriz de Reparto de los últimos 20 años:

2006 — Rachel Weisz, 35 años, por El jardinero fiel

El jardinero fiel, dirigido por Fernando Meirelles (Ciudad de Dios), es un thriller dramático que sigue a un diplomático británico que investiga la muerte de su esposa y descubre una trama vinculada con la industria farmacéutica.

Rachel Weisz interpretó a Tessa Quayle, un papel por el que obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 35 años. 

2007 — Jennifer Hudson por Dreamgirls

Dreamgirls, dirigida por Bill Condon (Chicago), es un musical ambientado en la industria de la música durante los años 60 y 70, que sigue el ascenso de un grupo de cantantes y las dificultades que atraviesan en su camino hacia el éxito.

Jennifer Hudson dio vida a Effie White, uno de los papeles más destacados de su carrera, por el que obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 25 años. 

2008 — Tilda Swinton por Michael Clayton

Michael Clayton, dirigida por Tony Gilroy (Duplicity), es un thriller judicial centrado en un abogado especializado en resolver los problemas más delicados de un importante estudio jurídico, que se enfrenta a uno de los casos más complejos de su carrera.

Después de películas como Orlando, El profundo final y Constantine, Tilda Swinton obtuvo el máximo premio a los 47 años.

2009 — Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona

Vicky Cristina Barcelona, dirigida por Woody Allen (Annie Hall), sigue a dos jóvenes estadounidenses que viajan a Barcelona y se ven envueltas en una relación con un artista español y su temperamental exesposa.

Penélope Cruz interpretó a María Elena y obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 34 años, convirtiéndose en la primera actriz española en ganar un premio de la Academia de Hollywood.

2010 — Mo’Nique por Precious

Precious cuenta la historia de una adolescente que atraviesa una situación familiar marcada por la violencia y el abandono mientras intenta encontrar una nueva oportunidad para su vida.

El drama, basado en la novela Push de Sapphire y dirigida por Lee Daniels (El mayordomo), tiene a Mo’Nique en el papel de Mary Lee Johnston, una interpretación que le valió el máximo premio a los 42 años.

2011 — Melissa Leo por El ganador

El ganador, dirigida por David O. Russell (El lado luminoso de la vida), reconstruye la historia real del boxeador Micky Ward, quien intenta abrirse camino en el mundo del boxeo mientras lidia con una familia marcada por conflictos.

Melissa Leo interpretó a Alice Ward, madre de Ward, y obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 50 años.

2012 — Octavia Spencer por Historias cruzadas

Historias cruzadas, dirigida por Tate Taylor (La chica del tren), está ambientada en el Mississippi de los años 60 y sigue a un grupo de mujeres afroamericanas que trabajan como empleadas domésticas mientras enfrentan la discriminación y las desigualdades de la época.

Octavia Spencer dio vida a Minny Jackson y obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 41 años. Para entonces, ya había participado en películas como La vida de David Gale, Coach Carter y Siete almas.

2013 — Anne Hathaway por Los miserables

Los miserables, dirigida por Tom Hooper (El discurso del rey), adapta el clásico musical basado en la novela de Victor Hugo y sigue las vidas de distintos personajes durante la convulsionada Francia del siglo XIX.

Después de películas como El diablo viste a la moda, La boda de Rachel y Alicia en el país de las maravillas, Anne Hathaway interpretó a Fantine y obtuvo el máximo premio a los 30 años.

2014 — Lupita Nyong’o por 12 años de esclavitud

12 años de esclavitud está basada en la historia real de Solomon Northup, un hombre afroamericano que es secuestrado y obligado a vivir como esclavo durante doce años.

El drama histórico está dirigido por Steve McQueen (Shame) y tiene a Lupita Nyong’o como Patsey, una actuación que le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 31 años.

2015 — Patricia Arquette por Boyhood

Boyhood, dirigida por Richard Linklater (Antes del amanecer), sigue el crecimiento de Mason desde su infancia hasta la llegada a la adultez, mostrando a lo largo de los años los cambios en su familia, sus relaciones y su propia identidad.

Patricia Arquette dio vida a Olivia, la madre de Mason, y obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 46 años. Para entonces, ya había protagonizado películas como Más allá de Rangún, Ed Wood y Stigmata.

2016 — Alicia Vikander por La chica danesa

La chica danesa está inspirada en la historia real de Lili Elbe, una de las primeras personas conocidas en someterse a una cirugía de afirmación de género, y en su relación con la artista Gerda Wegener.

El drama está dirigido por Tom Hooper (Los miserables) y tiene a Alicia Vikander como Gerda, una actuación que le valió el máximo premio a los 27 años.

2017 — Viola Davis por Fences

Fences, dirigida por el mismísimo Denzel Washington (Malcolm X), está ambientada en la década de 1950 y sigue a una familia afroamericana de Pittsburgh mientras enfrenta las tensiones generadas por el pasado, las oportunidades perdidas y las dificultades de la vida cotidiana.

Después de películas como La duda, Historias cruzadas y Prisoners, Viola Davis interpretó a Rose Maxson y obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 51 años.

2018 — Allison Janney por Yo, Tonya

Yo, Tonya reconstruye la vida de la patinadora artística estadounidense Tonya Harding y el escándalo que marcó su carrera deportiva.

La película está dirigida por Craig Gillespie (Lars y la chica real) y tiene a Allison Janney como LaVona Golden, la madre de Tonya, en una actuación que le valió el premio de la Academia de Hollywood a los 58 años.

2019 — Regina King por Si la calle Beale hablara

Si la calle Beale hablara cuenta la historia de una joven pareja afroamericana que intenta construir su futuro mientras enfrenta las consecuencias de una acusación injusta.

El drama, basado en la novela de James Baldwin, está dirigido por Barry Jenkins (Moonlight) y protagonizado por Regina King como Sharon Rivers, una interpretación que le valió el máximo premio a los 48 años.

2020 — Laura Dern por Historia de un matrimonio

Historia de un matrimonio, dirigida por Noah Baumbach (Frances Ha), retrata la separación de Charlie y Nicole, una pareja que intenta atravesar un divorcio mientras busca preservar el vínculo con su hijo y reconstruir sus propias vidas.

Laura Dern dio vida a Nora Fanshaw, la abogada de Nicole, y obtuvo el Óscar a Mejor Actriz de Reparto a los 52 años. Para entonces, ya había protagonizado películas como Terciopelo azul, Corazón salvaje y Jurassic Park.

2021 — Youn Yuh-jung por Minari

Minari sigue a una familia surcoreana que se muda a Arkansas, Estados Unidos, en busca de una nueva vida y enfrenta los desafíos de adaptarse a un entorno completamente diferente.

El drama está dirigido por Lee Isaac Chung (Munyurangabo) y protagonizado por Youn Yuh-jung, quien obtuvo el premio Academia de Hollywood a los 73 años, convirtiéndose en la primera actriz surcoreana en ganar un Óscar.

2022 — Ariana DeBose por Amor sin barreras

Amor sin barreras es una nueva adaptación de Steven Spielberg (Jurassic Park) del clásico musical que cuenta la historia de amor entre Tony y María, dos jóvenes pertenecientes a bandas rivales de Nueva York.

La película tiene a Ariana DeBose como Anita, una actuación que le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 31 años.

2023 — Jamie Lee Curtis por Todo en todas partes al mismo tiempo

Todo en todas partes al mismo tiempo, de Daniel Kwan y Daniel Scheinert, combina ciencia ficción, comedia y acción para contar la historia de Evelyn Wang, una mujer que descubre que debe enfrentarse a una amenaza que atraviesa múltiples universos.

Jamie Lee Curtis interpretó a Deirdre Beaubeirdra y obtuvo el máximo premio a los 64 años. Para entonces, ya había protagonizado películas como Halloween, Un pez llamado Wanda y Mentiras verdaderas.

2024 — Da’Vine Joy Randolph por Los que se quedan

Los que se quedan transcurre durante las vacaciones de Navidad de 1970 y sigue a un profesor, un estudiante y una cocinera que permanecen en una escuela mientras el resto de la comunidad se marcha.

La comedia dramática está dirigida por Alexander Payne (Entre copas) y tiene a Da’Vine Joy Randolph como Mary Lamb, una actuación que le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 37 años.

2025 — Zoe Saldaña por Emilia Pérez

Emilia Pérez, dirigida por Jacques Audiard (El profeta), es un musical que sigue a Rita, una abogada que recibe una propuesta inesperada de un poderoso narcotraficante que quiere abandonar su vida criminal y comenzar una nueva identidad.

Tras participar en grandes éxitos de taquilla como Star Trek, Avatar y Guardianes de la Galaxia, Zoe Saldaña dio vida a Rita y obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 46 años.

2026 — Amy Madigan por Weapons

Weapons, o La hora de la desaparición, dirigida por Zach Cregger (Barbarian), es una película de terror que sigue la misteriosa desaparición de 17 niños de una misma clase, todos menos uno, en una pequeña comunidad.

Amy Madigan interpretó a la tía Gladys y obtuvo el Óscar a Mejor Actriz de Reparto a los 75 años. Cuarenta años antes, había recibido su primera nominación al premio por Twice in a Lifetime.

¿Cuáles son tus papeles favoritos?

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Cannes: un retroceso que vuelve a encender la alarma

Este año, en Cannes, solo 5 de las 22 películas de la competencia oficial están dirigidas por mujeres. Esto representa apenas el 23% de la selección y supone un retroceso respecto de 2025. La cifra contrasta, además, con el récord alcanzado en 2023, cuando seis directoras representaron el 33% de la competencia.

El reclamo ya había sido contundente en 2018, cuando 82 mujeres subieron juntas las escaleras de Cannes para representar a las únicas 82 directoras cuyas películas habían competido por la Palma de Oro desde 1946, frente a más de 1.600 directores hombres. Fue una de las protestas más importantes de la historia del festival.

Ocho años después, las cifras vuelven a plantear la misma pregunta: ¿cuándo las cineastas llegarán a representar el 50%?

Tres Palmas de Oro en 79 años

La Palma de Oro, el máximo premio de Cannes, también expone esa brecha. En los 79 años de historia del festival, solo tres mujeres ganaron este premio: Jane Campion por The Piano en 1993, Julia Ducournau por Titane en 2021 y Justine Triet por Anatomy of a Fall en 2023. 

Y hay otra contradicción: mientras los festivales incorporan mujeres a sus jurados, las directoras siguen siendo minoría en las competencias. La representación en los espacios de decisión no alcanza si las películas de mujeres siguen sin llegar a ellos.

Venecia: ocho años después del 50/50

Venecia presenta un escenario todavía más desigual en 2026. Solo una de las 20 películas de la competencia oficial está dirigida por una mujer: Woman Unknown, de la danesa-egipcia May el-Toukhy. Un año antes habían sido seis las directoras seleccionadas; también fueron seis en 2024, cinco en 2023, 2022 y 2021, y ocho en 2020.

El retroceso resulta especialmente significativo porque Venecia había firmado en 2018 el compromiso internacional 50/50 de paridad de género. Ocho años después, las cifras muestran que la paridad todavía está muy lejos.

Siete Leones de Oro para mujeres

El León de Oro, el máximo premio de Venecia, también refleja esa falta de equidad: en los 94 años de historia del festival, solo siete mujeres lograron llevarse este premio. Sin embargo, tres de esas victorias se concentraron en apenas tres años: Chloé Zhao ganó en 2020 con Nomadland, Audrey Diwan en 2021 con Happening y Laura Poitras en 2022 con All the Beauty and the Bloodshed.

El problema empieza mucho antes de los festivales

La falta de representación no se debe a la escasez de directoras. Las mujeres siguen teniendo menos acceso a financiación, producción y puestos de decisión, lo que condiciona qué películas consiguen hacerse y cuáles llegan después a los grandes festivales.

En Francia, un informe sobre las 206 películas producidas en 2025 mostró que las mujeres representaron apenas el 33% de quienes dirigieron esas películas. La participación femenina fue aún menor entre quienes escribieron los guiones, con un 31%, y cayó al 15% en dirección de fotografía.

En Venecia, la presidenta del jurado de 2026, Maggie Gyllenhaal, señaló directamente el problema: a las mujeres les resulta más difícil conseguir financiación y muchas veces las historias que quieren contar no son consideradas arte.

¿Existen festivales que buscan mayor representación femenina y LGBTQ+?

Más allá de Cannes y Venecia, existen festivales que trabajan específicamente para ampliar la presencia de distintas voces en el cine. En Argentina, La Mujer y el Cine, Bendita Tú y FIDiG Cine abordan distintas perspectivas vinculadas con las mujeres, el género y la diversidad.

En Europa y Estados Unidos, festivales como Cine por Mujeres, IFFF, LA Femme y Frameline reúnen películas dirigidas por mujeres y obras vinculadas con la comunidad LGBTQ+. Estos espacios también funcionan como plataformas para películas que todavía encuentran obstáculos para llegar a los grandes festivales internacionales.

¿Quién decide qué historias llegan a los festivales?

La pregunta, entonces, no es solamente dónde están las directoras, sino también quién decide qué historias consiguen financiación, cuáles llegan a producirse y cuáles tienen finalmente un lugar en las principales competencias internacionales.

Cuando Cannes y Venecia siguen seleccionando una mayoría de películas dirigidas por hombres, la desigualdad no queda reducida a una cuestión de porcentajes: también condiciona qué miradas y qué historias llegan a las grandes pantallas y, finalmente, al público.

¿Cuántas historias de mujeres todavía quedan afuera antes de que podamos siquiera verlas?

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Los festivales de cine más importantes del mundo: Cannes, Venecia, Berlín y más

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Algunos nacieron como iniciativas culturales en momentos históricos clave y, con el paso del tiempo, se transformaron en grandes referentes del cine mundial ¡Conocelos!

Festival de Cine de Cannes

Creado en 1946, el Festival de Cannes fue impulsado originalmente por Jean Zay, ministro francés de Educación Nacional y Bellas Artes, junto al diplomático Philippe Erlanger. Nació con el objetivo de crear un encuentro internacional que celebrara la libertad artística y el intercambio cultural después de la Segunda Guerra Mundial. 

Su máximo reconocimiento es la Palma de Oro, otorgada por un jurado internacional. Se destaca por su apoyo al cine de autor, las producciones internacionales y el descubrimiento de nuevas voces cinematográficas.

Festival de Cine de Venecia

Fundado en 1932, el Festival Internacional de Cine de Venecia es el festival cinematográfico más antiguo del mundo. Se desarrolla en la isla del Lido de Venecia, Italia, como parte de la Bienal de Venecia.

Fue impulsado por Giuseppe Volpi, presidente de la Bienal, junto al escultor Antonio Maraini y el historiador Luciano De Feo, quienes buscaron crear un espacio dedicado al reconocimiento del cine como expresión artística.

Su principal galardón es el León de Oro, entregado por un jurado internacional. Es reconocido por su prestigio artístico y por presentar películas que luego tienen gran impacto mundial.

Festival de Cine de Locarno

Fundado en 1946, el Festival Internacional de Cine de Locarno se celebra cada año en la ciudad de Locarno, Suiza. Surgió en el contexto de la reconstrucción cultural europea después de la Segunda Guerra Mundial.

Uno de sus elementos más reconocibles es la proyección de películas en la Piazza Grande, que se transforma en una gran sala de cine al aire libre durante el festival.

Su máximo galardón es el Leopardo de Oro y se caracteriza por impulsar el cine de autor y descubrir nuevos talentos.

Festival de Cine de Berlín (Berlinale)

Creado en 1951, el Festival Internacional de Cine de Berlín se realiza en Berlín, Alemania, y forma parte de los tres grandes festivales internacionales junto a Cannes y Venecia.

Nació por iniciativa de Oscar Martay, oficial de cine del gobierno militar estadounidense en Berlín Occidental, junto al historiador Alfred Bauer, en el contexto de la reconstrucción cultural de la ciudad tras la Segunda Guerra Mundial.

Su máximo premio es el Oso de Oro y se caracteriza por su compromiso con el cine de autor, las historias sociales y las nuevas propuestas cinematográficas.

Festival de Sundance

Fundado en 1978, el Festival de Sundance se celebra en Utah, Estados Unidos, y es el evento más importante dedicado al cine independiente.

Fue creado por el actor y director Robert Redford junto a otros impulsores del cine independiente con el objetivo de apoyar a nuevos realizadores y ofrecer un espacio a películas alejadas de los grandes estudios de Hollywood.

Sus principales reconocimientos son el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público. A lo largo de su historia se convirtió en una plataforma clave para descubrir nuevos talentos.

Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF)

Creado en 1976, el Festival Internacional de Cine de Toronto se realiza en Toronto, Canadá, y es uno de los festivales con mayor influencia dentro de la industria.

Fue fundado por Bill Marshall, Henk Van der Kolk y Dusty Cohl bajo el nombre de “Festival of Festivals”, con la intención de reunir las mejores producciones cinematográficas internacionales.

Su premio más reconocido es el People’s Choice Award, elegido por el público, y se destaca por su influencia en la temporada de premios.

Festival de Cine de San Sebastián

Fundado en 1953, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián se celebra en San Sebastián, España, y es uno de los festivales más importantes del cine en español.

Fue creado por comerciantes y empresarios de la ciudad con apoyo institucional, inicialmente como una iniciativa cultural vinculada al turismo, aunque rápidamente ganó prestigio internacional.

Su máximo reconocimiento es la Concha de Oro y se caracteriza por impulsar el cine de autor, el talento emergente y las producciones internacionales.

Festival de Cine de Mar del Plata

Creado en 1954, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es el festival cinematográfico más importante de Argentina y uno de los más destacados de Latinoamérica.

Su primera edición fue organizada por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina y con el tiempo se convirtió en un espacio fundamental para la difusión del cine nacional e internacional.

Su principal galardón es el Astor y actualmente es el único festival de Latinoamérica reconocido con categoría A por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF).

La importancia de los festivales de cine

Más allá de los premios, los festivales cumplen un papel fundamental en la evolución del cine: permiten que nuevas películas lleguen al público, impulsan carreras de directores y actores, y mantienen viva la diversidad de la producción cinematográfica mundial.

Desde Cannes hasta Sundance, cada festival representa una manera diferente de descubrir, debatir y celebrar el séptimo arte.

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La película sigue el viaje de Odiseo (Damon), quien, tras la Guerra de Troya, debe enfrentarse a monstruos, ninfas y dioses durante su largo regreso a Ítaca, donde lo esperan su esposa, Penélope (Hathaway), y su hijo, Telémaco (Holland).

Con una narración no lineal, flashbacks y alucinaciones, el director consigue que el espectador experimente una desorientación similar a la de Odiseo mientras encadena una escena impactante tras otra. La estructura fragmentada acompaña un viaje en el que pasado, presente, recuerdos y delirios se mezclan constantemente.

Christopher Nolan se toma pocas licencias y adapta el poema del siglo VIII a. C. a un lenguaje más accesible para el público contemporáneo. Aunque, como otros directores, evita mostrar físicamente a dioses como Zeus y Poseidón, su presencia se percibe a través del estruendo de los truenos, las tormentas y las olas.

El director de El origen no se limita a algunos episodios del poema y aborda casi todos los grandes encuentros del viaje de Odiseo y sus hombres: el cíclope, los gigantes, Circe, el Hades y Calipso, en una enorme apuesta visual. Sin embargo, las sirenas, Escila y Caribdis quedan algo apresuradas en comparación con el desarrollo de otros episodios.

Pero donde la película más decepciona es en el tratamiento de Atenea, interpretada por Zendaya, la única diosa a la que Christopher Nolan decide mostrar. En el poema de Homero, Atenea es fundamental: guía a Odiseo hacia Ítaca, acompaña a Penélope y Telémaco durante la ausencia del rey y protege a Odiseo durante la batalla con los pretendientes de Penélope. Su presencia atraviesa buena parte de la historia. Sin Atenea no hay La Odisea. Aun así, la película decide relegarla.

La historia no es únicamente un viaje de regreso, sino también un viaje emocional que atraviesa la desilusión de la guerra, la fragilidad del heroísmo y la nobleza, el peso de la conciencia, los desafíos impuestos por los dioses y el temor de no volver jamás a la tierra que lo vio nacer.

Filmada con cámaras IMAX de 70 mm, La Odisea despliega una fotografía grandiosa a cargo de Hoyte van Hoytema, director de fotografía habitual de Nolan, mientras que la banda sonora de Ludwig Göransson potencia cada paisaje, batalla y criatura. Es una película que pide ser experimentada en una pantalla gigante, donde su escala visual adquiere otra dimensión.

Matt Damon se destaca al frente del elenco, acompañado por un reparto de enorme talento. Sin embargo, el film desaprovecha a intérpretes como Anne Hathaway, Zendaya y Lupita Nyong’o, cuyos personajes podrían haber tenido una presencia mucho más significativa.

La Odisea es grandiosa, épica y absorbente. Una película concebida para ser vista en una sala de cine y que funciona también como un grito de resistencia frente al avance de las plataformas de streaming.

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Curiosidades sobre La Odisea

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El thriller sigue a Bear (Johnston), quien, desesperadamente enamorado de su amiga Nikki (Navarrette), compra un “Sauce de un Deseo” y pide que ella lo ame “más que a nada en este mundo”, desencadenando una historia aterradora y retorcida.

Lo que comienza como una comedia romántica deviene progresivamente en un thriller violento que, sin abandonar el humor negro, incrementa su intensidad. La película transita por el slasher, el gore y los jumpscares sin que ninguna de esas transformaciones se sienta forzada.

Desde su propio desarrollo narrativo, el film deja en claro que el villano es Bear, pero resulta imprescindible detenerse en aquello que desencadena el conflicto: el protagonista le arrebata a Nikki toda autonomía sobre su propio cuerpo y anula su consentimiento. No es Nikki quien decide estar con él; es el amarre que Bear le impone.

Obsesión funciona así como un espejo de las expectativas misóginas de muchos varones sobre las mujeres, donde se cruzan la manipulación, el control y la codependencia que atraviesan las relaciones tóxicas y violentas. Lo sobrenatural no hace más que llevar al extremo dinámicas que, en diferentes formas, existen en el mundo real.

Como producción independiente de bajo presupuesto, Obsesión aprovecha al máximo los espacios hogareños como escenario principal. Los efectos especiales son contundentes, mientras que la fotografía de tonos fríos y desaturados de Taylor Clemens y la banda sonora inquietante y desesperante de Rock Burwell contribuyen a construir una atmósfera cada vez más opresiva.

Las actuaciones cumplen, pero es Inde Navarrette quien se come la película. Su interpretación, extraordinariamente expresiva, se sostiene especialmente en una mirada y una sonrisa llevadas al extremo, que pueden remitir a Mia Goth en Pearl o a las perturbadoras sonrisas de Smile.

Obsesión es un thriller pesadillesco, perturbador y trágico, con una representación ambigua del consentimiento que convierte una premisa aparentemente absurda en una reflexión incómoda sobre el control y la violencia. Y deja, como una suerte de moraleja macabra, una vieja advertencia: cuidado con lo que deseas.

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El body horror, ambientado en la Europa del siglo XIX, sigue a Elvira (Myren), quien se somete a una tortuosa transformación física para competir con su hermanastra Agnes (Loch Næss) y conquistar a un codiciado príncipe.

La belleza duele. Y en todos los sentidos. Pero ¿cuánto dolor estamos dispuestas a soportar para ser aceptadas? Al igual que Coralie Fargeat en La sustancia, Blichfeldt utiliza el body horror para representar el sufrimiento al que se expone su protagonista, llevando la transformación física hasta límites tan extremos como difíciles de digerir.

Hoy abundan el bótox, el ácido hialurónico, el Ozempic y cientos de tratamientos estéticos que ofrecen “soluciones” para inseguridades creadas o amplificadas por la propia industria. ¿Pero cómo era en el siglo XIX? La película resulta fascinante al mostrar que los rituales de belleza y el dolor detrás de ellos existen desde hace siglos.

Pero no es únicamente la sociedad la que empuja a las mujeres hacia esta tortura llamada belleza. A veces también aparece dentro de la propia familia: una madre que, porque lo aprendió de la suya, transmite a sus hijas que están gordas, que deben ser más femeninas o que, si no se esfuerzan, ningún hombre las va a elegir. Esa violencia heredada de generación en generación también atraviesa la película.

Los personajes son uno de sus grandes aciertos. Una madre que somete a sus hijas para sobrevivir, una hija dispuesta a hacer cualquier cosa para ser aceptada y otra que decide resistirse al mandato. Incluso la hermanastra “perfecta” termina sufriendo las consecuencias de una belleza que también se convierte en una prisión. Cada personaje evoluciona y representa una manera diferente de enfrentarse a esa presión.

A nivel visual, la directra construye un universo grotesco y fascinante a través de la fotografía disruptiva de Marcel Zyskind, un vestuario exagerado diseñado por Manon Rasmussen, escenarios tétricos y una banda sonora compuesta por John Erik Kaada y Vilde Tuv, completamente fuera de época. La combinación refuerza el carácter absurdo y perturbador de una historia que lleva el cuento de hadas hacia un territorio mucho más oscuro.

La hermanastra fea es oscura, repugnante y profundamente provocativa. Una película sobre la obsesión con la belleza y la experimentación sobre el propio cuerpo que, pese a estar ambientada en el siglo XIX, resulta inquietantemente actual.

No es una experiencia accesible para todos los espectadores, especialmente por la crudeza de algunas de sus imágenes, pero quienes estén dispuestos a atravesarla encontrarán una reversión de Cenicienta tan incómoda como estimulante.

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Crítica de la Sustancia: el culto a la juventud y la belleza

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La historia, ambientada entre Chicago y Nueva York en 1936, sigue a Ida (Buckley), una mujer asesinada por la mafia que es revivida por la Dra. Euphronius a pedido de Frankenstein (Bale), un monstruo que lleva más de un siglo de existencia y que anhela tener una “novia”.

La criatura creada por Gyllenhaal piensa, siente y se enfrenta a su propia existencia, por lo que se diferencia por completo de La novia de Frankenstein, dirigida por James Whale en 1935. En aquella película, el personaje carece de identidad, historia y voz, y apenas aparece durante unos segundos hacia el final.

Pero Ida no es cualquier monstruo: es un monstruo mujer. Por eso, su experiencia no es la misma que la de Frank. Además del miedo y el rechazo que provoca aquello considerado diferente, debe enfrentarse a una violencia machista y patriarcal que la mata, la revive y vuelve a someterla.

Ambos componen una pareja de criminales que remite a Bonnie y Clyde o a Harley Quinn y el Joker, aunque la película escapa de una clasificación sencilla y transita por distintos géneros: monstruos, gánster, drama, romance y musical.

En ese recorrido, Gyllenhaal aborda temas como la violencia sexual, el consentimiento, la autonomía corporal y el poder femenino, utilizando la figura del monstruo para reflexionar sobre la experiencia de las mujeres y las formas en que sus cuerpos han sido históricamente controlados.

Sin embargo, me hubiese gustado un mayor desarrollo de la mafia y la policía, así como del posible plan de venganza. También queda la sensación de que la película podría haber profundizado más en el movimiento de mujeres que despierta Ida y en el lugar que finalmente ocupa dentro de esa sociedad, un aspecto que resulta especialmente interesante pero que termina quedando algo relegado.

Jessie Buckley y Christian Bale ofrecen interpretaciones memorables, aunque es Buckley quien realmente se destaca. La actriz construye una criatura compleja, vulnerable y desafiante, capaz de transmitir buena parte de la transformación que atraviesa el personaje.

La calidad de producción es excepcional: desde la impresionante fotografía hasta el deslumbrante diseño de producción de época y un vestuario con una marcada impronta punk inspirada en los años 30. La propuesta visual acompaña el carácter transgresor de una película que no teme mezclar estilos y romper expectativas.

¡La novia! es una propuesta provocadora, arriesgada y alocada, pero también atravesada por un profundo mensaje sobre la experiencia femenina y las distintas formas de violencia y opresión que atraviesan cuerpos, sociedades y épocas. Una relectura de un personaje clásico que merece ser descubierta.

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Cumbres Borrascosas explora la turbulenta “historia de amor” entre Catherine Earnshaw (Robbie) y Heathcliff (Elordi) en los páramos del condado inglés de Yorkshire.

El resultado es una adaptación decapitada, superficial y carente de la oscuridad que atraviesa la obra de Brontë.

El gran problema radica en que, para la directora, narrar la historia en toda su dimensión parece no ser trascendental. Por eso la simplifica, omite personajes, reemplaza otros y distorsiona sus destinos, reduciendo la complejidad de una historia que se extiende mucho más allá del vínculo entre Catherine y Heathcliff.

La estética, los colores cuidadosamente calculados y las escenas diseñadas para convertirse en clips de redes sociales pasan a ocupar el centro de la propuesta, mientras que el rencor, el despecho y la venganza que sostienen gran parte de la novela quedan prácticamente relegados.

Quienes leímos la novela sabemos que Emily Brontë explora la marcada división de clases, el racismo y la violencia, pero, sobre todo, construye la historia de un hombre que no fue elegido y que decide vengarse de generación en generación, destrozando cada vida a su alrededor en nombre del supuesto “amor” por una mujer.

La película, además, es presentada como “la historia de amor más grande de todos los tiempos”, pero lo que transmite es capricho, dependencia y lujuria, mucho más que amor. Lo más problemático es que Emerald Fennell suaviza la maldad de Heathcliff y, en su intento por romantizarlo, termina convirtiéndolo casi en una víctima más de su propia manipulación.

La decisión de privilegiar la estética por encima de la complejidad narrativa termina vaciando a los personajes de buena parte de aquello que los hacía perturbadores. Heathcliff deja de ser una figura marcada por el resentimiento y la crueldad para acercarse a una versión mucho más digerible y romántica, incompatible con la oscuridad que define al personaje original.

Separada del clásico de la literatura que la inspira, Cumbres Borrascosas podría resultar una película interesante para algunos espectadores. Pero para quienes conocen y aman la obra de Emily Brontë, el resultado es, sin dudas, catastrófico.

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Curiosidades sobre Cumbres Borrascosas

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La película sigue a Man-su (Byung-hun), un ingeniero de mediana edad que es despedido después de trabajar durante veinticinco años en una empresa papelera y, a partir de ese momento, inicia una desenfrenada búsqueda laboral.

El director surcoreano expone el mundo del empleo como un ring de competencia, atravesado por el avance de la inteligencia artificial y la exigencia permanente de títulos, aptitudes y habilidades. En este escenario, conseguir un trabajo se vuelve cada vez más difícil y la experiencia acumulada parece perder valor frente a las nuevas reglas del mercado.

No hay otra opción pone el foco en la entrega de la juventud, el tiempo y el profesionalismo a empresas que, tarde o temprano, consideran reemplazables a sus empleados. La vejez aparece entonces como una etapa marcada por la incertidumbre y la sensación de inutilidad, donde décadas de trabajo y progreso pueden reducirse a un simple despido.

Lo que comienza como una crítica social y política, atravesada por un humor negro que genera empatía con el protagonista, se transforma progresivamente en un thriller oscuro y violento. A medida que la desesperación aumenta, también aflora el instinto de supervivencia y, con él, el costado más animal del ser humano.

Los planos abiertos y meticulosos y la fotografía de Kim Woo-hyung, junto con la banda sonora de Jo Yeong-wook, acompañan la adrenalina, la ansiedad y la desesperación del relato. Park Chan-wook vuelve a demostrar su precisión visual, incluso cuando el tono de la película cambia radicalmente.

No hay otra opción es un film descabellado, incómodo y profundamente actual sobre el miedo a perder el estatus, las nuevas reglas de la búsqueda de empleo y el lugar que la sociedad reserva para la vejez. No es la mejor película del director pero sí una de las más filosas del año.

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