Desde los formatos analógicos de película hasta las tecnologías digitales actuales, cada sistema dejó una huella en la evolución del séptimo arte y continúa siendo elegido por cineastas que buscan una estética o experiencia particular.

IMAX

Creado en 1967 en Canadá por los ingenieros Graeme Ferguson, Roman Kroitor, Robert Kerr y William C. Shaw, el sistema IMAX nació con la intención de ofrecer una experiencia cinematográfica más inmersiva, con pantallas de gran tamaño, sonido envolvente y una imagen de mayor impacto visual.

A diferencia de lo que muchas veces se cree, IMAX no es un único formato de película, sino un sistema de exhibición que puede utilizar tanto película analógica de 70mm como proyección digital. Las salas IMAX digitales utilizan proyectores de alta resolución, mientras que las versiones en 70mm ofrecen una imagen de mayor tamaño y detalle gracias al uso de película física.

En las últimas décadas, directores como Christopher Nolan impulsaron nuevamente el interés por este sistema, utilizando cámaras IMAX en películas como Dunkerque (2017), Tenet (2020) y Oppenheimer (2023).

IMAX 70mm

El IMAX 70mm es una de las formas más avanzadas de proyección analógica. Utiliza película de 70mm con desplazamiento horizontal, lo que permite una superficie de imagen mucho mayor que el 35mm tradicional y una relación de aspecto de hasta 1.43:1 en determinadas salas.

Christopher Nolan es uno de los grandes defensores de este formato y suele elegirlo para sus producciones más ambiciosas por la definición, profundidad y textura que ofrece la película analógica. Lo utilizó en Dunkerque y Oppenheimer, dos de los ejemplos más destacados del uso del IMAX 70mm en el cine contemporáneo.

Su apuesta por el gran formato continua con La Odisea (2026), una de sus producciones más ambiciosas, rodada íntegramente con cámaras de película IMAX. La elección de Nolan refleja su intención de preservar una experiencia cinematográfica basada en la escala, el detalle y la materialidad del celuloide.

Otros directores también recurrieron a cámaras IMAX para potenciar la espectacularidad visual de sus películas, como Denis Villeneuve en Dune: Parte Dos (2024).

70mm

El 70mm es un formato de película de gran tamaño desarrollado durante la década de 1950 para ofrecer una imagen más amplia y detallada que el tradicional 35mm.

Al contar con una superficie de imagen mayor, permite mayor nitidez, profundidad y riqueza visual. Fue utilizado en grandes producciones como Ben-Hur (1959), Lawrence de Arabia (1962) y The Hateful Eight (2015), película de Quentin Tarantino que recuperó el formato para una experiencia cinematográfica de gran escala.

A diferencia del IMAX 70mm, en el formato 70mm tradicional la película avanza de manera vertical y no utiliza el sistema horizontal característico del IMAX.

35mm

El 35mm fue durante gran parte del siglo XX el formato estándar de la industria cinematográfica.

Su desarrollo estuvo relacionado con los trabajos de Thomas Edison y William Kennedy Laurie Dickson a finales del siglo XIX, quienes utilizaron este ancho de película para sus sistemas cinematográficos.

Su equilibrio entre calidad de imagen, costos y facilidad de distribución permitió que dominara la producción cinematográfica durante décadas. Películas como El Padrino (1972), Taxi Driver (1976) y numerosas obras del cine clásico fueron filmadas en este formato.

Aunque fue reemplazado en gran parte por la tecnología digital, muchos directores continúan utilizándolo por la textura y estética característica del celuloide.

16mm

Creado en 1923 por Eastman Kodak, el 16mm nació como una alternativa más económica y accesible al 35mm.

Fue utilizado principalmente en documentales, televisión, cine independiente y proyectos experimentales, permitiendo que muchos realizadores pudieran filmar fuera de los grandes estudios.

Su grano visible y su apariencia artesanal se transformaron en una elección estética para numerosos cineastas que buscan una imagen más orgánica y personal.

Dolby Cinema

Presentado en 2015 por Dolby Laboratories, Dolby Cinema es un sistema de proyección digital diseñado para ofrecer una experiencia premium en salas comerciales.

Combina proyectores láser, tecnología HDR, mayor contraste y sonido envolvente Dolby Atmos. Películas como Top Gun: Maverick (2022) y Dune: Parte Dos (2024) aprovecharon este tipo de exhibición para potenciar su impacto visual y sonoro.

Proyección digital

La proyección digital comenzó a expandirse a principios del siglo XXI y transformó la manera en que las películas llegan a las salas.

A diferencia del celuloide, utiliza archivos digitales que permiten una distribución más sencilla, una imagen estable y resoluciones como 2K, 4K y superiores.

Actualmente es el sistema predominante en la mayoría de los cines, aunque formatos analógicos como el 35mm y el 70mm siguen vigentes gracias a cineastas que buscan conservar una estética y una experiencia diferente.

La importancia de los formatos cinematográficos

Más allá de la tecnología, cada formato representa una manera distinta de experimentar el cine. Desde la textura del 16mm hasta la espectacularidad del IMAX 70mm, los diferentes sistemas de proyección forman parte de la búsqueda constante por crear experiencias cinematográficas únicas.

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Estas son algunas de las curiosidades más interesantes detrás del rodaje de una de las películas más esperadas:

LA PELÍCULA CON MAYOR PRESUPUESTO DE CHRISTOPHER NOLAN

Se trata del proyecto más ambicioso del director, superando ampliamente a Interstellar y The Dark Knight Rises. Se estima que contó con un presupuesto de 250 millones de dólares que le permitió rodar en escenarios reales, trasladar al elenco por varios continentes e incluso tiene nuevas tecnologías de filmación pensadas específicamente para la película. Todo esto la posiciona entre unas de las producciones más esperadas del año.

LA PRIMERA PELÍCULA RODADA CON CÁMARAS IMAX DE 70 MM

Este aspecto técnico es, sin dudas, lo más comentado en el mundo cinematográfico. Ya que es la primera vez que una película es rodada, en su totalidad, con cámaras IMAX DE 70 MM. El director comentó que su decisión se basó en que esperaba que el espectador sintiera la inmensidad del mar, de las tormentas, y los paisajes como si estuviera allí mismo.

No solo el rodaje de La Odisea fue llamativo, también lo fue su proceso de posproducción. Christopher Nolan decidió que el montaje final se realizara directamente sobre el negativo original de la película, una técnica prácticamente en desuso en la industria actual. En lugar de editar únicamente de forma digital, cada uno de los miles de cortes fue ensamblado manualmente, uniendo físicamente los fragmentos de la película. Esto se decidió para preservar la calidad de la imagen y además, mantiene viva una tradición cinematográfica que cada vez utilizan menos realizadores.

NOLAN PRIORIZÓ LOS EFECTOS PRÁCTICOS

Fiel a su estilo Nolan prefiere priorizar los efectos prácticos. Por lo tanto se decidió achicar el uso de efectos especiales, como resultado muchos escenarios fueron construidos físicamente, se utilizaron embarcaciones reales para algunas escenas, incluso algunas criaturas fueron creadas con maquillaje y efectos mecánicos. Definitivamente, todo esto queda reflejado en el gran trabajo que hay detrás de esta producción.

LA ODISEA SE FILMÓ EN SEIS PAÍSES DISTINTOS

Nolan busca un realismo casi nunca antes visto. No quiso utilizar pantallas virtuales. Por lo tanto, decidió que el rodaje se realizaría en diferentes partes del mundo. Viajaron a Marruecos, Grecia, Italia, Escocia, Islandia, y Estados Unidos. Cada paisaje fue elegido por sus características geográficas para representar diferentes etapas del recorrido del héroe. La decisión permitió conseguir una escala y un nivel de realismo difíciles de recrear mediante efectos digitales.

MATT DAMON CONFESÓ QUE FUE EL DESAFÍO MÁS GRANDE DE SU CARRERA

El actor ya había participado en otros proyectos de Nolan, pero esta vez le tocó ser el protagonista. Según sus palabras, fue el personaje más desafiante de su carrera. Interpreta al legendario personaje Odiseo. Para esto tuvo largas jornadas de grabaciones en barcos y en condiciones climáticas extremas. Comentó en entrevistas que el rodaje se parecía más a una expedición que a una filmación convencional, ya que el esfuerzo físico que le conllevó desarrollar este personaje nunca lo había vivido en otra filmación.

LUDWIG GÖRANSSON COLABORÓ PARA LA MÚSICA

Luego de ganar el Oscar por Oppenheimer, Ludwig Göransson volvió a colaborar con Nolan para La Odisea. Pero esta vez, de un modo curioso. Ya que para crear la música circularon versiones de que se utilizaron instrumentos antiguos, como enormes gongs de bronce y una gigantesca lira inspirada en la Grecia clásica. Sin dudas, el sonido transmite la épica del viaje y la soledad del protagonista.

ANTES DE SU ESTRENO YA ERA UN ÉXITO

La preventa de entradas para La Odisea marcó un precedente histórico al iniciar un año antes de su estreno. Las exclusivas entradas en formato IMAX de 70 MM se agotaron en cuestión de horas en múltiples lugares del mundo. Esto dejó en evidencia el éxito del director y la enorme expectativa que se tiene sobre este nuevo estreno.

Muchos críticos ya la consideran la mejor película de Nolan, incluso antes de su estreno comercial. Tiene amplias críticas positivas y la posicionan entre unas de las mejores películas de este año. Los motivos son, el desafiante y magnífico aspecto visual, la ambición técnica y la gran actuación de Matt Damon.

SOLO 41 SALAS DEL MUNDO PODRÁN MOSTRAR LA PELÍCULA COMO NOLAN LA IMAGINÓ

Al haber sido filmada íntegramente en IMAX de 70 mm, solo 41 salas en el mundo poseen los proyectores necesarios para reproducir la imagen con toda su resolución y formato original. Esto generó que miles de fanáticos recorrieran el mundo para poder conseguir una sala que la proyectara como Nolan la imaginó. Esto también deja en evidencia el gran impacto que está generando esta nueva película en el mundo cinematográfico.

Definitivamente, Nolan da un paso más allá con este estreno. Porque no solo se trata de la adaptación de uno de los textos más influyentes de la literatura del mundo, sino que también lleva al mundo cinematográfico hasta sus límites técnicos y narrativos. Reivindicando absolutamente la pantalla grande, y demostrando que los grandes clásicos todavía tienen mucho para decir.

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A continuación, te contamos cuándo y cómo surgió este test y si es realmente útil.

Origen del Test Mako Mori

Antes de introducir este test, primero tenemos que mencionar el Test de Bechdel, que propone que, para que una obra lo supere, debe cumplir tres condiciones: 1) Tiene que contar con al menos dos personajes femeninos. 2) Estos personajes deben hablar entre sí. 3) La conversación que mantengan tiene que tratar sobre algo distinto a un hombre (con el que tengan o no un vínculo sexoafectivo).

En el año 2013, cuando se estrenó la película de ciencia ficción de Guillermo del Toro, una usuaria de Tumblr llamada Spider-Xan —cuyo nombre real se desconoce— creó el test de Mako Mori como respuesta al test creado por Alison Bechdel, para homenajear al personaje interpretado por Rinko Kikuchi, ya que el film no cumple con el dicho test porque Mako es el único personaje femenino relevante de la historia, pero aun así merecía un reconocimiento.

Entonces, ¿en qué consiste el test Mako Mori?

Para que una obra supere el test de Mako Mori, debe reunir los siguientes requisitos: 1) Tener al menos un personaje femenino. 2) Que ese personaje tenga su propio arco narrativo. 3) Que dicho arco narrativo no exista únicamente a partir de seguir la historia de un varón.

Algunos ejemplos de películas cuyos personajes femeninos hacen que superen el test de Mako Mori son: Leia Organa en Star Wars (1977), Ellen Ripley en Alien (1979), Sarah Connor en Terminator 2: Judgment Day (1991), Hermione Granger en Harry Potter y la piedra filosofal (2001), Katniss Everdeen en Los juegos del hambre (2012) y Furiosa en Mad Max: Furia en el camino (2015).

¿Es efectivo el test de Mako Mori?

Aunque suele considerarse un método superador del test de Bechdel, el test de Mako Mori también tiene limitaciones. Por ejemplo, no analiza cuál es el rol de las mujeres detrás de cámara, es decir, si participan como directoras, guionistas o productoras dentro de una obra audiovisual.

De todos modos, ambos test resultan útiles para reflexionar y debatir sobre la representación femenina en el cine, las series y otras obras de ficción. Ninguno de los dos determina necesariamente que una obra sea feminista, pero sí permiten observar qué lugar ocupan los personajes femeninos dentro de la historia y si están construidos como personajes complejos, interesantes y con desarrollo propio o si, por el contrario, responden a estereotipos repetidos.

¿Qué opinás sobre este test?

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Con un elenco destacado Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci esta secuela va a dar de qué hablar.

El diablo viste a la moda 2 tardó 20 años

Durante años se habló de esta posibilidad de continuar la historia, los espectadores especulaban constantemente sobre la posibilidad de que esto sucediera. Sin embargo, las protagonistas en entrevistas comentaban que no lo veían viable. No fue hasta 2024 que este proyecto se hizo realidad.

Las demoras tuvieron varias razones, agendas ocupadas, dudas creativas y el miedo de hacer una secuela solo por nostalgia. Finalmente, tanto su director original David Frankel, como su guionista original Aline Brosh McKenna, decidieron que era momento de llevarlo a cabo.

La relación de la película con la Met Gala

En una película de este nivel de producción todos los detalles importan. Por este motivo, no es casualidad que la fecha de estreno haya sido 3 días antes de la Met Gala. Esta cercanía de fecha ocasionó un revuelo en el mundo de la moda.

Como siempre menciono, el mundo cinematográfico se relaciona en todos los aspectos de nuestra vida. Por eso, cada vez que vuelve la saga, inevitablemente vuelve también la comparación con el evento más importante de la moda mundial. Miranda Priestly regresa junto a la noche más fashion de Nueva York. No es coincidencia.

Volvió casi todo el equipo original

Una de las cosas que más atrajo al público es el hecho de que haya vuelto todo el elenco original, Miranda, Andy, Emily y Nigel, pero además, también volvieron personajes secundarios como Lily e Irv Ravitz. Y como mencioné anteriormente, el equipo de producción también es el mismo, esto da la sensación de una secuela bien lograda y auténtica.

Locaciones de El diablo viste a la moda 2

Una de las curiosidades más grandes fue el hecho de que hayan grabado una escena en un desfile real de Dolce & Gabbana en la Milan Fashion Week. No recrearon la escena en un estudio, sino que decidieron hacerlo real.

Además, para el contexto de la moda, decidieron filmar algunas escenas en Milán, la ciudad de la moda, para ampliar el universo de la historia. Lo curioso detrás de las locaciones fueron las multitudes de fanáticos inesperados que se juntaron en cada lugar. Mucho más de lo que se esperaba.

Anne Hathaway tomó una decisión importante

La brillante actriz y protagonista, quiso intervenir en una decisión significativa de la producción de la película. Comentó que luego de asistir a tantos desfiles de moda, tanto ella, como Meryl Streep, quedaron impactadas de la extrema delgadez de algunas modelos. Por lo tanto, intervinieron para que en la película ese ideal extremo no sea reflejado.

Sin dudas, una decisión muy relevante teniendo en cuenta la influencia que los medios de comunicación tienen sobre la sociedad.

La escena de Sydney Sweeney fue eliminada

Se habló mucho sobre la presencia de la actriz Sydney Sweeney en los rodajes de la película, pero en el estreno no apareció. Esto se debe a que grabó una escena de tres minutos, interpretándose a ella misma, pero finalmente la producción decidió quitar esa escena de la película, debido a que sentían que no encajaba estructuralmente en la secuencia de la historia. Una decisión que a muchos les sorprendió.

La IA no puede reemplazar lo humano

Un detalle curioso a destacar que ocurrió, fue el revuelo que se armó en redes sociales al creer que un póster de la película lo había hecho la inteligencia artificial. Esto sucedió porque meses antes del estreno se viralizó una imagen de Meryl Streep, interpretando a Miranda, y los espectadores señalaron que las texturas parecían hechas por IA.

Finalmente, el director reveló la verdad, esa obra de arte había estado en manos de la artista Alexis Franklin, se trataba de una pintura al óleo realizada por ella. Días después compartió videos del proceso creativo de la realización. Esto demostró y reflexionó sobre la importancia de que el arte y el talento humano no deben ser reemplazados por lo artificial.

El diablo viste a la moda 2 es un éxito

El éxito que obtuvo apenas se estrenó sorprendió a la industria. Es uno de los mejores estrenos del año y se posicionó en el puesto número 1 de la taquilla global. Además, la película logró el mejor estreno en la carrera de Meryl Streep y también de Emily Blunt, algo notable para una saga que regresó veinte años después de la original.

Y otro dato curioso es que el público fue mayoritariamente femenino, el 76 % de las entradas fueron adquiridas por mujeres, convirtiendo la película como un evento cultural más allá del cine.

Podemos confirmar que el regreso de El diablo viste a la moda 2 fue un auténtico éxito. Y deja en evidencia cómo el cine marca generaciones. Con un elenco icónico y una conexión emocional intacta domina la taquilla mundial. Ahora que sabes todas las curiosidades detrás de esta gran producción. ¿Qué estás esperando para verla?

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Dirigida por Emerald Fennell, protagonizada por Margot Robbie y Jacob Elordi, y con música original de Charli XCX, la película se define como una reinterpretación de la historia romántica y está dando muchísimo de qué hablar por su enfoque visceral. Por supuesto, que detrás de cada gran producción hay muchas curiosidades y estas son las más llamativas:

El titulo se escribe con comillas

Habrán observado que en los pósters publicitarios el título aparece entre comillas y esto no es algo al azar. Al parecer, se trata de una decisión de producción para dejar en claro que no es una adaptación fiel de la novela, sino de una reinterpretación personal. La directora comentó que agregó escenas que ella estaba convencida de haberlas leído en el libro, pero en realidad no existían. De este modo, la película funciona, de alguna manera, como su propia mirada. Esto genera una gran expectativa en los espectadores. Sin dudas, esta historia nunca deja de reinventarse.

“Cumbres borrascosas” recibió calificación R

A diferencia de otras adaptaciones de esta historia, la película recibió clasificación R: sensualidad, violencia y lenguaje explícito. Esto deja en evidencia lo que mencioné anteriormente, la directora buscó representar lo más visceral de esta historia. Sin contenerse, contó lo más crudo y con un enfoque más psicológico que otras versiones. En las entrevistas, la directora habló de su intención de capturar la intensidad emocional, el sadomasoquismo y la oscuridad del vínculo entre Cathy y Heathcliff, las críticas coinciden en que la versión apuesta por una sensualidad más marcada que otras adaptaciones.

La banda sonora rompe el molde

El elemento que definitivamente rompe el molde en esta adaptación es la banda sonora. En lugar de violines, como se podría esperar en esta historia, la música está compuesta por Charli XCX, artista pop conocida por su estilo vanguardista. Esta mezcla de música contemporánea con el estilo gótico nos brinda un enfoque moderno y a la vez emocionalmente crudo. El objetivo es capturar y hacer foco en la energía juvenil y destructiva de los personajes, en cambio de centrarlos en una mirada clásica y solemne como sucede en muchas películas de época.

La gran dupla de Margot Robbie y Jacob Elordi

Indudablemente, de lo que más se está hablando es de la relación profesional entre Margot y Jacob, cuya química traspasa la pantalla. Ambos mencionaron en distintas entrevistas que se sintieron muy cómodos trabajando juntos. De hecho, Margot Robbie comentó que durante el rodaje se generó una fuerte dependencia emocional con Elordi y que necesitaba que él estuviera cerca para poder filmar ciertas escenas. Detrás de esto hubo un intenso trabajo actoral y de producción, con un foco puesto en que los intérpretes construyeran un vínculo real para dar vida a sus personajes.

Jacob Elordi es conocido por no salir de su personaje durante los rodajes. En ese contexto, se dice que para el pasado San Valentín sorprendió a Margot llenando su camarín de rosas y dejándole una carta escrita desde la perspectiva de Heathcliff. Tanto Robbie como Elordi también hablaron públicamente de lo exigente e intenso que fue el rodaje. En una de las escenas, Elordi rompe una silla de manera real, lo que provoca una reacción genuina de sorpresa en Margot. En otra escena física, donde él la levanta, la actriz terminó con las piernas temblando. Todas estas curiosidades demuestran el gran trabajo y compromiso de los actores para que el vínculo que se ve en pantalla resulte tan potente y atrapante.

Locaciones de “Cumbres Borrascosas”

A diferencia de otras adaptaciones, la producción se alejó de los sets de Londres y se trasladó a los rincones más crudos del Parque Nacional Yorkshire Dales. Esta decisión de filmar en los páramos reales ayuda a capturar la geografía salvaje e inhóspita que inspiró la novela original.

La mirada femenina de Emerald Fennell y Margot Robbie

Este proyecto está en manos de una de las duplas más influyentes en Hollywood actualmente. Fennell y Robbie se enfocan desde una perspectiva que no tiene miedo a la oscuridad ni a la controversia. Una de las curiosidades de la película es que Margot Robbie no es solo la actriz principal de la historia, a través de su productora LuckyChap, ha sido la arquitecta de este proyecto, lo que le otorgó a la directora una mayor libertad creativa.

Otra decisión clave fue alejarse de una historia de amor idealizada para poner el foco en la posesión y el deseo destructivo. Robbie estuvo involucrada en decisiones de guion y se aseguró de que Cathy no fuera un personaje pasivo, sino una presencia tan peligrosa e intensa como Heathcliff. Además, en lugar de retratar a Heathcliff únicamente como un galán, la dirección de Fennell y la producción de Robbie lo presentan como un objeto de fascinación y peligro.

A nivel visual, la película pone el foco en la intensidad del deseo y la perspectiva emocional de Cathy hacia Heathcliff, en un enfoque que desafía algunas normas tradicionales del cine de época.

Esta versión nos muestra que el clásico de Brontë nunca pasa de moda, y que esta historia de obsesión viva y peligrosa sigue vigente. Fennell y Robbie logran transformar el romance victoriano en un espectáculo visceral y moderno. Y ahora que sabes todas las curiosidades detrás de la película, espero que la disfrutes viéndola este San Valentín.

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Si sos aficionado al cine de terror, estas son algunas de las curiosidades menos conocidas que ayudaron a dar forma a esta última entrega.

Sucesos paranormales en el set de El Conjuro

Las curiosidades más llamativas de la película fueron las cosas paranormales que sucedieron fuera del set, y que dieron mucho de qué hablar. Comenzando con el set de filmación. El equipo eligió una antigua mansión en Inglaterra, ya que la estética del lugar era perfecta para lo que buscaban. Lo curioso es que, según el director, la mansión no solo parecía embrujada, sino que realmente lo estaba.

Entre las situaciones paranormales que le tocó vivir en aquel lugar, cuenta que su propia hija confiesa haber visto a un hombre vestido de sacerdote transitando por los pasillos. De hecho, Michael Chaves antes de dirigir El Conjuro se consideraba una persona escéptica, pero cambió su parecer luego de los días de grabación.

Entre la realidad y el marketing

Durante las proyecciones de prueba en cines de Los Ángeles, algunos asistentes aseguraron haber sentido bajones repentinos de temperatura o ruidos extraños justo antes de las escenas más terroríficas. Incluso, al terminar la película, una de las puertas del cine se abrió de golpe sin que nadie la tocara. Las cámaras de seguridad mostraron cómo el pestillo simplemente se soltó.

Aunque probablemente sea simple sugestión, estas historias se viralizaron en redes y ayudaron a aumentar el interés por la película. Los responsables de marketing aprovecharon el fenómeno y reforzaron la campaña con estos rumores. Más allá del terror, la estrategia colocó a El Conjuro 4 como una experiencia sensorial completa. 

Rituales de protección espiritual

Teniendo en cuenta todos estos aspectos paranormales que sucedieron en cada filmación, el equipo decidió tomar una decisión, que se mantiene desde la primera entrega. Según lo que contaron, hacen una ceremonia de bendición del set. Si bien, no todos creen en los sucesos paranormales que rodean a la producción, prefieren prevenir y participar de la ceremonia al comenzar las filmaciones. Por este motivo, el director, a pesar de no ser creyente de estas cosas, pidió a un sacerdote que hiciera una bendición. Sin embargo, al parecer no fue suficiente, porque ni en esta última entrega se salvaron de todos los sucesos que vivieron durante el rodaje.

La fotografía de El Conjuro

Para reforzar la sensación de tensión y terror clásico utilizaron lentes anamórficos, similares a los que se usaban en películas de terror de los años 70 y 80. Estos lentes permiten capturar planos más amplios y deformar ligeramente la perspectiva, haciendo que los pasillos, habitaciones y sombras se vean más largos y amenazantes. Combinado con luz tenue y colores desaturados, el efecto fue inmediato: cada escena adquiere una sensación de claustrofobia y anticipación, como si la amenaza estuviera siempre a punto de aparecer justo fuera del encuadre. La decisión no solo homenajea al cine de terror clásico, sino que también aporta textura y profundidad.

Para el vestuario se investigó la moda de la época y compraron las telas en una tienda vintage. Durante la filmación, algunas de las prendas quedaron totalmente dañadas, sin explicación, bromeaban en entrevistas diciendo que ya sabían que estaban malditos. También sucedió algo similar con las cámaras de filmación, ya que tuvieron que grabar más de 3 veces una misma escena, que involucra una invocación en latín, porque la cámara se apagaba constantemente y las luces parpadeaban.

El diseño de sonido

Como en toda producción de terror el sonido es una pieza fundamental para la creación de la atmósfera correcta. El Conjuro siempre se destaca por el excelente trabajo realizado, y en esta entrega no fue la excepción. Lo curioso es que en las demás entregas, Joseph Bishara, compositor y colaborador habitual de la saga, agregó frecuencias bajas, que el oído humano apenas percibe y que generan incomodidad corporal. En este nuevo estreno el equipo, a cargo de Bejanmin Wallfisch, también utilizaron técnicas de sonido envolvente para que el espectador sienta que los sonidos provienen desde distintos puntos de la sala.

En los cines la sensación promete ser completamente atrapante: puertas que se cierran detrás del público, susurros que viajan por los pasillos, y un silencio tan tenso que se convierte en un personaje más. Sin dudas, la película no es solo una historia, sino una experiencia completa.

El guion está inspirado en una historia real

James Wan y David Leslie Johnson comentaron que para realizar el guion se inspiraron en archivos reales, grabaciones de exorcismos y entrevistas con testigos. Según el productor Peter Safran, muchas escenas del film están basadas palabra por palabra en testimonios verídicos. Una de ellas, afirman, fue tan perturbadora que parte del equipo pidió no volver a reproducir el audio original durante la edición.

La despedida de Ed y Lorraine Warren 

Esta última entrega además de terrorífica fue muy emotiva. Wilson y Farmiga llevan más de diez años interpretando a los Warren, y su química fue esencial para que el público siguiera conectando con ellos. En esta entrega tuvieron más libertad para improvisar sus diálogos y para darle un cierre al desarrollo emocional de sus personajes. Ambos coincidieron que fue una despedida muy emotiva.

El conjuro no es solo terror, es un ejemplo del poder del cine para crear atmósferas, emociones y sorprender en cada detalle. Y con respecto a sus curiosidades paranormales, quizás sea simple sugestión. O quizás, como diría Lorraine Warren, “Cuando uno mira demasiado tiempo hacia la oscuridad, a veces, la oscuridad también te devuelve la mirada”.

La entrada El detrás de escena de «El Conjuro 4» se publicó primero en El séptimo arte.

“Una batalla tras otra”, inspirada libremente en la novela Vineland de Thomas Pynchon (1990), sigue a Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio), ex integrante del grupo armado French 75, conocido por robar bancos, volar edificios en defensa del derecho al aborto y liberar inmigrantes a punto de ser deportados. Ahora, vive exiliado junto a su hija de 16 años, Willa (Chase Infiniti), hasta que un enemigo del pasado lo arrastra de nuevo al conflicto.

El director combina drama, acción, sátira y thriller policial para dirigirse a su público como nunca antes, denunciando el racismo y la xenofobia cada vez más arraigados en la sociedad estadounidense, alimentados por discursos de supremacía blanca filtrados desde la política racial.

Lo hace a través de la visión y la lucha de grupos revolucionarios y antisistema, aunque sin omitir sus riesgos y costos, y subraya que no solo los grupos armados pueden impulsar cambios: incluso la simple colaboración entre pares puede marcar la diferencia.

Las actuaciones son descomunales. Teyana Taylor deja sin palabras y con ganas de más, DiCaprio está impecable, Infiniti debuta a lo grande, Benicio del Toro brilla y Sean Penn entrega una de las mejores interpretaciones de su carrera, encarnando a una amenaza retrógrada y reaccionaria, de esas que lamentablemente aún persisten en la actualidad.

Es un deleite audiovisual: filmada en VistaVision por el director de fotografía Michael Bauman, editada con precisión por Andy Jorgensen y acompañada por la vibrante banda sonora de Johnny Greenwood, compositor favorito de Anderson.

“One Battle After Another” es una película crítica, insurgente, furiosa y adictiva, imprescindible de ver en cines y, sobre todo, en tiempos como los que corren.

La entrada Crítica de «Una batalla tras otra»: racismo y xenofobia en EEUU se publicó primero en El séptimo arte.

En el barro sigue a seis mujeres privadas de la libertad —interpretadas por Ana Garibaldi, Valentina Zenere, Carolina Ramírez, Ana Rujas, Érika de Sautu Riestra y Camila Peralta— que ingresan a La Quebrada y deben sobrevivir entre luchas de poder, pactos y traiciones dentro de las jerarquías de las reclusas y las autoridades del penal.

La propuesta de llevar el universo de El Marginal al escenario carcelario femenino era prometedora. El problema es que fue pensada y ejecutada, en su mayoría, por varones, desde una perspectiva androcentrista.

Los personajes femeninos —como los interpretados por Zenere, Tatu Glikman o María Becerra— están hipersexualizados y caen en el recurso recurrente de prostituirse, mantener relaciones sexuales con los guardias de la cárcel e incluso sufrir abusos por parte de ellos, en escenas concebidas exclusivamente para el disfrute del ojo cisheterosexual masculino.

El spin-off presenta a varias reclusas cuyas historias son diversas e interesantes, pero no consigue desarrollarlas del todo. Sobresalen las actuaciones de actrices más experimentadas como Garibaldi, Cecilia Rosetto, Juana Molina o Rita Cortese; en cambio, el personaje de Zenere resulta difícil de comprender en sus decisiones.

A pesar de la evidente inspiración en Orange is the New Black y Vis a Vis, En el barro conserva el vínculo con el universo de la serie original. Si bien los primeros episodios resultan algo exagerados, la trama gana consistencia y se fortalece a medida que avanza, acertando al abordar problemáticas como la violencia de género, el abuso de autoridad, la maternidad carcelaria, el tráfico de bebés y la corrupción.

En el barro es una serie violenta y cruda en donde las escenas sexuales resultan más incómodas que las problemáticas reales de la cárcel, pero no deja de ser entretenida. Ideal para quienes disfrutaron de El Marginal.

La entrada Crítica de «En el barro»: presas de la sexualización se publicó primero en El séptimo arte.