Las directoras nominadas al Oscar a Mejor Dirección

Lina Wertmüller — Seven Beauties

En los Oscars de 1977, Lina Wertmüller tenía 48 años cuando hizo historia al convertirse en la primera mujer nominada a Mejor Dirección, por Seven Beauties. Habían pasado 48 años desde la primera ceremonia de los premios de La Academia y, hasta entonces, ninguna mujer había competido en esa categoría.

Seven Beauties combina drama, sátira y humor negro, está protagonizada por Giancarlo Giannini, Fernando Rey y Shirley Stoler y sigue a un hombre italiano que intenta sobrevivir durante la Segunda Guerra Mundial tras ser capturado y enviado a un campo de concentración nazi. Wertmüller finalmente no ganó el premio, que quedó en manos de John G. Avildsen por Rocky. 

Jane Campion — El Piano

A los 39 años, Jane Campion fue nominada a Mejor Dirección en los Oscars de 1994 por El Piano. La directora neozelandesa se convirtió así en la segunda mujer en llegar a la categoría, casi dos décadas después de Lina Wertmüller.

El drama romántico, protagonizado por Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill y Anna Paquin, sigue a una mujer enviada junto a su hija a la Nueva Zelanda del siglo XIX para casarse con un hombre al que no conoce, llevando consigo su piano como única forma de expresión. Campion no ganó en aquella ceremonia, aunque The Piano consiguió tres premios Oscar.

Sofia Coppola — Lost in Translation

En los Oscars de 2004, Sofia Coppola tenía 32 años cuando fue nominada a Mejor Dirección por Lost in Translation. Se convirtió en la tercera mujer en alcanzar la categoría.

La comedia dramática, protagonizada por Bill Murray y Scarlett Johansson, cuenta el encuentro entre dos estadounidenses que atraviesan momentos de desconexión personal en Tokio. Coppola no ganó por su dirección, pero sí consiguió el Oscar a Mejor Guion Original.

Kathryn Bigelow — The Hurt Locker

Después de que solo tres mujeres fueran nominadas anteriormente en esta categoría, llegó Kathryn Bigelow, quien a sus 58 años, en 2010, no solo se convirtió en la cuarta mujer nominada a Mejor Dirección, sino que hizo historia al ser la primera mujer en ganar el Oscar en esta categoría por The Hurt Locker.

El thriller bélico, protagonizado por Jeremy Renner, Anthony Mackie y Brian Geraghty, sigue a un equipo de desactivación de explosivos durante la guerra de Irak. Aquella noche, la película también se llevó la estatuilla a Mejor Película.

Greta Gerwig — Lady Bird

A los 34 años, Greta Gerwig fue nominada a Mejor Dirección en los Oscars de 2018 por Lady Bird. La comedia dramática se centra en una adolescente que atraviesa su último año de escuela secundaria y su relación con su madre.

Saoirse Ronan, Laurie Metcalf y Tracy Letts encabezaron el elenco de la película que obtuvo cinco nominaciones al Oscar. Gerwig no ganó Mejor Dirección; el premio fue para Guillermo del Toro por The Shape of Water.

Chloé Zhao — Nomadland

Chloé Zhao hizo historia en los Oscars 2021 al convertirse en la segunda mujer en ganar el premio a Mejor Dirección, después de Kathryn Bigelow. Tenía 39 años cuando recibió la estatuilla por Nomadland, una película independiente protagonizada por Frances McDormand y David Strathairn.

La historia sigue a una mujer que, tras perderlo todo durante la crisis económica, comienza a recorrer Estados Unidos en una camioneta y a vivir como una nómada. Nomadland también obtuvo el Oscar a Mejor Película.

Emerald Fennell — Promising Young Woman

También en 2021, Emerald Fennell tenía 35 años cuando fue nominada por Promising Young Woman. La película estuvo protagonizada por Carey Mulligan y Bo Burnham y combinó thriller, drama y humor negro alrededor de una mujer que busca confrontar una experiencia traumática de su pasado.

Fennell no ganó Mejor Dirección, pero sí obtuvo el Oscar a Mejor Guion Original. Su nominación junto a la de Chloé Zhao marcó un momento inédito: por primera vez, dos mujeres competían simultáneamente por el Oscar a Mejor Dirección.

Jane Campion — El poder del perro

Jane Campion ganó el Oscar a Mejor Dirección en 2022 por El poder del perro y se convirtió en la tercera mujer en conseguir la estatuilla. Tenía 67 años y esta era su segunda nominación en la categoría, casi tres décadas después de su primera candidatura por El piano.

La película, protagonizada por Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons y Kodi Smit-McPhee, sigue a un poderoso ranchero cuya vida cambia cuando su hermano lleva a casa a su nueva esposa y al hijo de ella.

Justine Triet — Anatomía de una caída

En los Oscars de 2024, Justine Triet tenía 45 años cuando fue nominada a Mejor Dirección por Anatomía de una caída. La película francesa, protagonizada por Sandra Hüller, Swann Arlaud y Milo Machado-Graner, gira alrededor de una mujer acusada de la muerte de su marido.

Triet no ganó el Oscar a Mejor Dirección, pero Anatomía de una caída sí consiguió la estatuilla a Mejor Guion Original, escrito por la propia directora junto con Arthur Harari.

Coralie Fargeat — La sustancia

Coralie Fargeat tenía 48 años cuando fue nominada a Mejor Dirección en los Oscars de 2025 por La sustancia. La película, protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, convirtió el terror corporal en una mirada sobre el envejecimiento, la belleza y la presión sobre los cuerpos femeninos.

Fargeat no ganó Mejor Dirección, pero La sustancia consiguió el Oscar a Mejor Maquillaje y Peluquería. La estatuilla de dirección fue para Sean Baker por Anora.

Chloé Zhao — Hamnet

En los Oscars 2026, Chloé Zhao volvió a competir por Mejor Dirección, esta vez por Hamnet. La película está protagonizada por Jessie Buckley y Paul Mescal y le permitió sumar una segunda nominación en la categoría.

Zhao no consiguió una segunda estatuilla: el Oscar 2026 a Mejor Dirección fue para Paul Thomas Anderson por Una batalla tras otra. Con esta nueva candidatura, Zhao pasó a compartir con Jane Campion el registro de dos nominaciones a Mejor Dirección.

Un reclamo que también llegó a los Oscars

En los Oscars 2020, Natalie Portman llegó a la alfombra roja con una capa de Dior que llevaba bordados los nombres de varias directoras que habían quedado fuera de la categoría de Mejor Dirección, entre ellas Greta Gerwig, Lulu Wang y Céline Sciamma.

El gesto convirtió la propia alfombra roja de los premios en otro espacio para visibilizar la ausencia de mujeres detrás de cámara.

Las directoras que ganaron el Oscar a Mejor Dirección

Después de décadas con una presencia femenina muy limitada entre las nominaciones, solo tres directoras lograron ganar el Oscar a Mejor Dirección: Kathryn Bigelow, por The Hurt Locker; Chloé Zhao, por Nomadland; y Jane Campion, por El poder del perro. Sus nombres quedaron así inscriptos en la historia de los Oscars como las únicas mujeres que, hasta el momento, consiguieron la estatuilla en esta categoría.

Tres ganadoras en casi un siglo de Oscars

Desde Lina Wertmüller hasta Chloé Zhao, las mujeres fueron llegando a Mejor Dirección de manera esporádica. Algunas tuvieron que esperar décadas para volver a ser reconocidas y otras se incorporaron a una categoría que durante mucho tiempo estuvo integrada exclusivamente por hombres.

Hasta los Oscars 2026, solo nueve directoras diferentes llegaron a competir por el premio y tres lograron ganarlo: Kathryn Bigelow, Chloé Zhao y Jane Campion.

La historia de las mujeres detrás de cámara en los Oscars todavía está lejos de ser extensa. Pero cada nueva nominación también amplía una lista que, durante décadas, tuvo apenas un nombre.

La entrada Los Oscars y las directoras mujeres se publicó primero en El séptimo arte.

Estas son 6 curiosidades sobre la serie Carrie, su producción y la nueva mirada sobre una de las historias más emblemáticas del terror.

Carrie se adapta por primera vez al formato serie

Carrie, fue la primera novela publicada por Stephen King, y fue la obra que puso en marcha su carrera como uno de los escritores más reconocidos de terror contemporáneo. Esta historia llegó a la gran pantalla en reiteradas oportunidades, pero es la primera vez que se hace una serie. De este modo, permite desarrollar en profundidad a los personajes, sus vínculos, los personajes secundarios toman más dimensión, y además, permite desarrollar a fondo las consecuencias de la violencia.

La producción está protagonizada por Summer H. Howell y Samantha Sloyan, y cuenta con Flanagan como guionista y productor ejecutivo. Stephen King también participa como productor ejecutivo, lo cual es importante teniendo en cuenta que se modifican bastantes aspectos de la historia original.

Por qué Mike Flanagan decidió adaptar Carrie a la actualidad

Considero que el aspecto más curioso de esta producción, es que su propio director consideraba que no era necesario volver a hacer Carrie. Él piensa que era innecesario volver a hacer una adaptación de una película que fue tan emblemática en el cine.

Su cambio de opinión fue debido a que tiene un hijo adolescente, y al observar se dio cuenta de que no es la misma adolescencia la que se vivía en los años 1976, cuando fue escrita la novela, a la adolescencia que se vive contemporáneamente. Inmediatamente, se imaginó cómo sería la vida de Carrie en la actualidad, con los cambios que hubo con respecto a la tecnología y las redes sociales, donde los adolescentes se someten a una exposición pública permanente.

Por lo tanto, aclara que no se trata de una adaptación literal de la historia, sino a una interpretación, que no pretende sustituir a la película original, dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Sissy Spacek. Flanagan busco seguir su propio camino, su idea fue buscar nuevas posibilidades, de la novela de Stephen King.

Summer H. Howell: cómo fue elegida para interpretar a Carrie

Se sabe que la producción hizo una búsqueda muy extensa e intensa para elegir a la actriz principal. Se consideraron a más de 1.400 actrices antes de elegir a Summer H. Howell. El motivo de esta específica búsqueda, es que la nueva Carrie es muy diferente de la adolescente que conocemos.

En esta versión Carrie, es un personaje curioso, optimista y desea conocer a otras personas. No presenta a una adolescente definida por el miedo y el aislamiento, la serie muestra sus ganas de experimentar, aprender, y establecer vínculos.

Flanagan en entrevistas hace foco en este aspecto, tanto Carrie, como su madre fueron pensadas de una manera diferente a su versión original.

Cómo se filmó la escena del baile de graduación de Carrie

Sin dudas, la escena del baile de graduación de Carrie es uno de los momentos cinematográficos más recordados y reconocibles del terror. La imagen de la adolescente cubierta en sangre quedó asociada para siempre. Pero recrear este momento no era algo fácil.

En esta nueva versión, la secuencia volvió a exigir una planificación técnica especialmente compleja. En una entrevista, Flanagan describió el rodaje como una de las secuencias más difíciles de su carrera. La producción dedicó dos semanas de trabajo a ese bloque. La escena involucra cientos de extras, numerosos personajes principales, efectos de fuego y agua, especialistas, movimientos coordinados y elementos del decorado preparados para ser destruidos. No se trataba solamente de reproducir una imagen conocida, sino de crear un acontecimiento de gran escala que pudiera sostenerse a lo largo de una secuencia extensa.

Summer H. Howell pasó 12 días cubierta de sangre falsa

Algo a destacar es el increíble trabajo realizado por su actriz principal, como acabo de mencionar la escena del baile fue un gran desafío para todos, pero principalmente para su intérprete, quien tuvo que pasar 12 días cubierta por sangre falsa.

El retoque de maquillaje era constante entre las diferentes tomas, incluso tuvo que utilizar protectores para los ojos en el momento de aplicarlo.

Y además de la preparación física, requirió de una preparación actoral muy desafiante para la actriz, ya que transmitir el estado emocional del personaje en ese momento era fundamental para el éxito de la filmación.

Mucha gente de la producción que participó en la escena dijeron que fue extremadamente impactante el momento.

El resultado demuestra que, incluso en una historia conocida, una escena emblemática puede convertirse en un desafío completamente nuevo cuando se aborda desde otro lenguaje audiovisual.

Carrie: una nueva mirada sobre el terror y el poder femenino

Quizá lo más curioso y significativo de esta adaptación es el hecho de que esta vez se busca ampliar el universo de Carrie y todo lo que la rodea. King ya sugería la existencia de otras mujeres con capacidades extraordinarias, una dimensión que las adaptaciones anteriores no habían desarrollado de la misma manera.

En la escena del baile Carrie no es presentada simplemente como un monstruo. La perspectiva Flanagan propone analizar la manera en que la sociedad responde ante las mujeres que poseen poder y se apartan de lo esperado. La historia de Carrie se convierte así en una reflexión sobre la crueldad, la exclusión y la posibilidad de encontrar solidaridad en medio de la violencia.

Nuevamente, nos encontramos ante un clásico que todavía tiene mucho para dar y que demuestra cómo una historia puede adaptarse a la realidad contemporánea sin perder su esencia. Carrie vuelve para interrogar el presente y recordarnos que, a veces, los verdaderos monstruos no tienen poderes sobrenaturales. La primera temporada ya está disponible y, según su director, la historia podría extenderse a dos temporadas más.

Así que no pierdas más tiempo, prepará los pochoclos, y recordá que, cuando se trata de Carrie, hacerle bullying a la chica equivocada puede arruinar mucho más que la noche de graduación.

La entrada Curiosidades sobre la serie Carrie se publicó primero en El séptimo arte.

Porque, a veces, no hay nada más terrorífico que aquello que las mujeres viven fuera de la pantalla. Por eso, directoras y directores llevaron estas experiencias al género para contar historias con un mensaje feminista.

En El Séptimo Arte reunimos películas de distintas épocas que exploran estas problemáticas, desde clásicos como Carrie hasta propuestas contemporáneas como La sustancia, Huesera: The Bone Woman y La hermanastra fea.

El cuerpo y la sexualidad

El cuerpo femenino aparece en muchas películas de terror como territorio de transformación, deseo, violencia y pérdida de control. En estos relatos, la sexualidad deja de ser un elemento secundario para convertirse en una fuente de conflicto y horror.

Carrie (1976)

Dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Sissy Spacek, Carrie adapta la novela de Stephen King y sigue a una adolescente reprimida por su madre y acosada por sus compañeras. La menstruación, la sexualidad y el despertar del cuerpo femenino se cruzan con la aparición de sus poderes telequinéticos, que terminan convirtiéndose en el eje del horror.

Ginger Snaps (2000)

Dirigida por John Fawcett y protagonizada por Emily Perkins y Katharine Isabelle, sigue a dos hermanas adolescentes cuando Ginger es mordida por un hombre lobo. La transformación funciona como una metáfora de la pubertad, la menstruación y el despertar sexual.

Teeth (2007)

Dirigida y escrita por Mitchell Lichtenstein y protagonizada por Jess Weixler, Teeth utiliza el mito de la vagina dentata para convertir el cuerpo de una joven en un arma. La película aborda sexualidad, consentimiento y violencia desde el terror.

American Mary (2012)

Dirigida por Jen y Sylvia Soska y protagonizada por Katharine Isabelle, sigue a una estudiante de medicina que comienza a realizar modificaciones corporales clandestinas. El cuerpo femenino, la cirugía y la autonomía sobre el propio cuerpo ocupan el centro de la historia.

Raw (2016)

Dirigida y escrita por Julia Ducournau y protagonizada por Garance Marillier, Raw sigue a una joven vegetariana que desarrolla un deseo por la carne al comenzar la universidad. El hambre, la sexualidad y la transformación física se mezclan en un potente relato de body horror.

Titane (2021)

También de Julia Ducournau y protagonizada por Agathe Rousselle, Titane lleva el body horror a una historia extrema de transformación e identidad, donde el cuerpo desafía las categorías establecidas de género y humanidad.

Maternidad, embarazo y miedo

El embarazo y la maternidad también pueden convertirse en escenarios de terror. Estas películas exploran el miedo a perder el control sobre el propio cuerpo, las expectativas sociales sobre la maternidad y las contradicciones que pueden surgir alrededor del deseo de ser madre.

The Babadook (2014)

Dirigida por Jennifer Kent y protagonizada por Essie Davis, The Babadook sigue a una madre viuda que intenta criar sola a su hijo mientras una misteriosa criatura aparece en su casa. El horror se convierte en una representación del agotamiento, el duelo y la presión de cumplir con el ideal de la madre perfecta.

Prevenge (2016)

Dirigida y protagonizada por Alice Lowe, Prevenge presenta a una mujer embarazada que comienza a escuchar una voz que la impulsa a cometer asesinatos. Con humor negro y terror, la película cuestiona las expectativas sociales alrededor del embarazo y la maternidad, además del control que otros ejercen sobre las decisiones de las mujeres.

Huesera: The Bone Woman (2022)

Dirigida por Michelle Garza Cervera y protagonizada por Natalia Solián, Huesera: The Bone Woman sigue a una mujer que, después de quedar embarazada, comienza a experimentar fenómenos sobrenaturales. El terror surge del conflicto entre sus propios deseos y las expectativas familiares y sociales sobre lo que significa convertirse en madre.

Birth/Rebirth (2023)

Dirigida por Laura Moss y protagonizada por Marin Ireland y Judy Reyes, Birth/Rebirth reinterpreta el mito de Frankenstein desde una mirada centrada en la maternidad, el cuerpo y la muerte. Su historia cuestiona hasta dónde puede llegar una mujer para recuperar a un hijo y quién tiene derecho a decidir sobre la vida.

Belleza, juventud y presión sobre los cuerpos

La belleza, la juventud y la apariencia también pueden convertirse en una fuente de terror. Estas películas exploran la presión por cumplir con determinados ideales, la transformación del cuerpo y la exigencia de permanecer joven, deseable y perfecta.

The Stepford Wives (1975)

Dirigida por Bryan Forbes y protagonizada por Katharine Ross, The Stepford Wives sigue a una mujer que se muda con su familia a una comunidad aparentemente perfecta, donde las esposas comienzan a comportarse de una manera extrañamente dócil. El terror surge de la imposición de un modelo femenino basado en la belleza, la obediencia y la perfección doméstica. La historia tuvo una nueva adaptación en 2004, protagonizada por Nicole Kidman, aunque con un tono mucho más cercano a la comedia negra y la sátira.

Starry Eyes (2014)

Dirigida por Kevin Kölsch y Dennis Widmyer y protagonizada por Alexandra Essoe, Starry Eyes sigue a una joven actriz dispuesta a todo para conseguir un papel en Hollywood. La película convierte en body horror la presión sobre las mujeres para cumplir con determinados estándares de belleza, juventud y sexualización dentro de la industria.

The Neon Demon (2016)

Dirigida por Nicolas Winding Refn y protagonizada por Elle Fanning, The Neon Demon sigue a una joven modelo que llega a Los Ángeles y rápidamente se convierte en el centro de atención de la industria de la moda. El film transforma la obsesión por la belleza, la juventud y la competencia entre mujeres en una pesadilla de horror psicológico.

The Substance (2024)

Dirigida por Coralie Fargeat y protagonizada por Demi Moore, La sustancia presenta a una celebridad que, al ser desplazada por una mujer más joven, recurre a un misterioso tratamiento capaz de crear una versión más joven de sí misma. El horror corporal lleva al extremo la presión por conservar la juventud y el rechazo hacia el envejecimiento femenino.

La hermanastra fea (2025)

Dirigida por Emilie Blichfeldt y protagonizada por Lea Myren, La hermanastra fea reinterpreta el cuento de Cenicienta desde una perspectiva de horror corporal. Su protagonista está dispuesta a modificar y castigar su propio cuerpo para acercarse al ideal de belleza que la sociedad considera necesario para ser deseada y aceptada.

Violencia, abuso y venganza

El terror también ha contado historias de violencia y venganza contra las mujeres, pero muchas veces lo hizo explotando su dolor. Irreversible es un ejemplo de un cine que utiliza la violencia sexual de forma extrema y explotadora. Esta selección reúne películas que cuestionan la violencia de género, el abuso y las estructuras de poder desde una perspectiva crítica y feminista.

The Woman (2011)

Dirigida por Lucky McKee y protagonizada por Pollyanna McIntosh, The Woman sigue a una mujer salvaje capturada por un hombre que intenta someterla y “civilizarla”. El horror expone la violencia patriarcal, el abuso y el control ejercidos sobre los cuerpos femeninos dentro de una familia.

A Girl Walks Home Alone at Night (2014)

Dirigida por Ana Lily Amirpour y protagonizada por Sheila Vand, A Girl Walks Home Alone at Night presenta a una misteriosa vampira que recorre las calles de una ciudad iraní y se enfrenta a hombres violentos. El monstruo deja de ser una amenaza para las mujeres y se convierte en una figura de resistencia frente al patriarcado.

Revenge (2017)

Dirigida por Coralie Fargeat y protagonizada por Matilda Anna Ingrid Lutz, Revenge sigue a una joven que sobrevive a una agresión y es abandonada a su suerte. La película toma los códigos del rape-revenge y los transforma en un relato de supervivencia y furia, colocando a su protagonista en el centro de la violencia y la venganza.

The Invisible Man (2020)

Dirigida por Leigh Whannell y protagonizada por Elisabeth Moss, The Invisible Man convierte la violencia de pareja en una amenaza literalmente invisible. Su protagonista intenta escapar de un hombre que la controla, la persigue y consigue que quienes la rodean duden de su palabra. El terror funciona como una representación del abuso psicológico, el gaslighting y el silenciamiento.

Violation (2020)

Dirigida por Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli y protagonizada por Madeleine Sims-Fewer, Violation aborda las consecuencias de una agresión sexual y la decisión de su protagonista de buscar venganza. El terror se construye alrededor del trauma, los límites del consentimiento y la forma en que una víctima puede quedar aislada cuando su palabra es cuestionada.

Fresh (2022)

Dirigida por Mimi Cave y protagonizada por Daisy Edgar-Jones, Fresh comienza como una comedia romántica antes de transformarse en una pesadilla de horror. Su historia utiliza el secuestro y la explotación de mujeres para llevar al extremo la cosificación femenina y la violencia ejercida sobre sus cuerpos, detrás de relaciones aparentemente normales.

Brujería, religión y control

La brujería y la religión han sido utilizadas por el terror para hablar sobre el control de las mujeres, sus cuerpos y su sexualidad. Desde la persecución de aquellas consideradas “brujas” hasta instituciones religiosas que buscan decidir sobre la vida y el cuerpo femenino, estas películas convierten esas formas de poder en una fuente de horror.

The Witch (2015)

Dirigida por Robert Eggers y protagonizada por Anya Taylor-Joy, The Witch sigue a una familia puritana aislada en la Nueva Inglaterra del siglo XVII. El terror se construye alrededor de una sociedad religiosa que vigila el comportamiento femenino, mientras la protagonista comienza a cuestionar el lugar que esa estructura le impone como hija, mujer y futura madre.

Saint Maud (2019)

Dirigida por Rose Glass y protagonizada por Morfydd Clark, Saint Maud sigue a una enfermera profundamente religiosa que cree haber recibido una misión divina. La película explora el fanatismo, la culpa y la necesidad de encontrar un propósito, mientras la fe de su protagonista se convierte progresivamente en una forma de control sobre su propio cuerpo y su vida.

The First Omen (2024)

Dirigida por Arkasha Stevenson y protagonizada por Nell Tiger Free, The First Omen lleva el terror religioso al terreno del control reproductivo. Una joven novicia descubre una conspiración vinculada a la Iglesia que pone su cuerpo en el centro de una disputa de poder, convirtiendo el embarazo y la maternidad en herramientas de dominación.

Cuando las mujeres se convierten en la amenaza

El terror también convirtió a las mujeres en monstruos, depredadoras y asesinas. Pero detrás de esas figuras hay una pregunta incómoda: ¿qué ocurre cuando una mujer deja de comportarse como la sociedad espera de ella? Estas películas exploran el deseo, la frustración, la sexualidad y la violencia a través de personajes femeninos que ya no ocupan el lugar de la víctima.

Jennifer’s Body (2009)

Dirigida por Karyn Kusama y protagonizada por Megan Fox, Jennifer’s Body convierte a una adolescente en una criatura demoníaca después de un sacrificio ritual realizado por un grupo de hombres. Su monstruosidad permite explorar la sexualización, la violencia masculina y la amistad entre mujeres, aunque la película también plantea contradicciones sobre cómo representa el cuerpo femenino.

Pearl (2022)

Dirigida por Ti West y protagonizada por Mia Goth, Pearl sigue a una joven atrapada en una granja, frustrada por una vida que no se parece a la que soñó. Su obsesión con convertirse en una estrella y escapar de ese encierro deriva en una espiral de violencia que transforma sus deseos reprimidos en una pesadilla.

El terror feminista demuestra que el miedo también puede ser una forma de contar, cuestionar y resistir. Detrás de monstruos, maldiciones y cuerpos transformados aparecen experiencias reales que durante mucho tiempo fueron normalizadas: la violencia, el control, la desigualdad y la presión sobre las mujeres.

La entrada Películas de terror feminista se publicó primero en El séptimo arte.

Aunque existen muchísimas producciones que utilizan estos elementos, algunas franquicias se convirtieron en verdaderos clásicos del terror. Desde Halloween y Viernes 13 hasta Scream, estas son algunas de las sagas de slasher que tenés que ver para conocer la evolución del género.

Halloween

La saga Halloween comenzó en 1978 con la película dirigida por John Carpenter y protagonizada por Jamie Lee Curtis. La historia presentó a Michael Myers, uno de los asesinos más reconocibles del cine de terror, quien escapa de un hospital psiquiátrico el 31 de octubre y regresa a su pueblo natal con un único objetivo: matar.

La franquicia cuenta con 13 películas y atravesó distintas continuidades, secuelas y reinicios. Más allá de sus diferentes etapas, Michael Myers y su máscara blanca se transformaron en una de las imágenes definitivas del slasher.

Viernes 13

Viernes 13, de 1980, también conocida como Friday the 13th, fue dirigida por Sean S. Cunningham y llevó el slasher a Camp Crystal Lake, un campamento de verano marcado por una tragedia ocurrida años atrás. Cuando un grupo de jóvenes llega al lugar para trabajar durante la temporada, comienzan a ser acechados por un asesino que busca convertir el campamento en el escenario de una nueva masacre.

La saga tiene 12 películas, aunque Jason Voorhees no es el asesino de la primera. A partir de las siguientes entregas, el personaje se convirtió en el gran protagonista de la franquicia y, con su máscara de hockey, pasó a formar parte del imaginario popular del terror.

Pesadilla en Elm Street

Pesadilla en Elm Street (1984), también conocida como A Nightmare on Elm Street, fue dirigida por Wes Craven y presentó a Freddy Krueger, interpretado por Robert Englund, uno de los asesinos más reconocibles del cine de terror, capaz de atacar a sus víctimas en sus sueños.

La franquicia cuenta con 9 películas y convirtió a Freddy en uno de los grandes íconos del slasher. Su particular estética, el característico guante con cuchillas y su capacidad para aparecer en el mundo de los sueños lo diferenciaron de otros villanos del género y lo convirtieron en un personaje de culto.

Scream

Scream llegó en 1996 nuevamente de la mano de Wes Craven, pero esta vez con una propuesta que jugaba con las propias reglas del género. La historia sigue a Sidney Prescott, una adolescente perseguida por un asesino que utiliza una máscara inspirada en El Grito de Edvard Munch.

La saga suma 7 películas hasta 2026 y se caracteriza por combinar asesinatos, misterio y humor con referencias constantes a las reglas de las películas de terror. Sus personajes conocen los códigos del género y muchas veces intentan utilizarlos para descubrir quién se encuentra detrás de la máscara de Ghostface.

Sé lo que hicieron el verano pasado

Sé lo que hicieron el verano pasado comenzó en 1997 y es una de las franquicias del auge del slasher adolescente de los años 90. Dirigida por Jim Gillespie y escrita por Kevin Williamson, sigue a un grupo de jóvenes que atropella accidentalmente a un hombre y oculta lo ocurrido. Un año después, un asesino armado con un garfio comienza a perseguirlos.

La historia continuó con Aún sé lo que hicieron el verano pasado (1998) y Siempre sabré lo que hicieron el verano pasado (2006). En 2025, la franquicia regresó con una nueva película dirigida por Jennifer Kaytin Robinson, que funciona como una secuela heredera de las originales y recupera a Jennifer Love Hewitt y Freddie Prinze Jr. como Julie James y Ray Bronson.

La masacre de Texas

La masacre de Texas (1974) fue dirigida por Tobe Hooper y sigue a un grupo de jóvenes que, durante un viaje por Texas, termina en una casa donde se encuentra con una familia de asesinos. Entre ellos está Leatherface, uno de los grandes símbolos del cine de terror, conocido por su máscara hecha de piel humana y su característica motosierra.

La película es una de las obras fundamentales del terror estadounidense de los años 70 y una influencia importante para el desarrollo posterior del slasher. La franquicia reúne 9 películas, entre secuelas, precuelas y reinicios.

Chucky

La saga de Chucky comenzó con Chucky: el muñeco diabólico, de 1988, también conocida como Child’s Play, dirigida por Tom Holland. La historia sigue a Chucky, un muñeco poseído por el asesino Charles Lee Ray, que llega a manos de un niño y comienza a cometer asesinatos.

La franquicia cinematográfica cuenta con 7 películas y llevó el concepto del slasher a un escenario inesperado: el de un muñeco aparentemente inocente. Con el paso de las entregas, la saga incorporó cada vez más humor negro y elementos de comedia, especialmente a partir de sus secuelas.

Candyman

Candyman comenzó en 1992 con una película dirigida por Bernard Rose y protagonizada por Tony Todd. La historia parte de una leyenda urbana relacionada con un misterioso asesino que puede aparecer cuando se pronuncia su nombre frente a un espejo.

La saga cuenta con 5 películas y se diferencia de otros slashers por su fuerte componente sobrenatural. También aborda cuestiones vinculadas con el racismo, la desigualdad y la historia de una comunidad, mientras que Candyman se convirtió en una de las figuras más reconocibles del terror.

Terrifier

Entre las franquicias más recientes que recuperaron elementos del slasher se encuentra Terrifier, centrada en Art the Clown, un asesino silencioso interpretado por David Howard Thornton.

La saga cuenta actualmente con 3 películas y fue creada por Damien Leone, quien comenzó desarrollando al personaje dentro del cine independiente. Con Terrifier 2 y Terrifier 3, la franquicia amplió considerablemente su público y llevó el gore y la violencia a un nivel especialmente extremo.

Trilogía X, Pearl y MaXXXine

La trilogía formada por X (2022), Pearl (2022) y MaXXXine (2024), dirigida por Ti West y protagonizada por Mia Goth, recupera distintos elementos del cine slasher y del terror de décadas pasadas. Las tres películas están conectadas a través de sus personajes y exploran diferentes épocas y estilos del género.

X transcurre en 1979 y sigue a un grupo que viaja a una granja de Texas para rodar una película para adultos, pero termina enfrentándose a una amenaza inesperada. Pearl, ambientada en 1918, funciona como una precuela y cuenta el origen del personaje interpretado por Goth, mientras que MaXXXine continúa la historia en el Hollywood de 1980. La trilogía combina slasher, terror psicológico, gore y homenajes al cine de distintas épocas.

¿Qué tienen en común las grandes sagas de slasher?

Aunque cada franquicia tiene sus propias reglas, muchas de las grandes sagas del slasher comparten algunos elementos: un asesino fácilmente reconocible, un grupo de víctimas, persecuciones, escenarios cotidianos transformados en lugares de peligro y una protagonista que intenta sobrevivir.

El género también fue cambiando con el tiempo. Mientras películas como Halloween construyeron el terror a partir de la tensión y la presencia del asesino, otras franquicias incorporaron elementos sobrenaturales, humor, misterio, crítica social o grandes dosis de gore.

Por eso, recorrer estas sagas de slasher también permite conocer cómo evolucionó uno de los subgéneros más populares del cine de terror.

La entrada Las sagas de slasher que tenés que ver se publicó primero en El séptimo arte.

Por eso, cuando hablamos de géneros y subgéneros del terror, no existe una única fórmula. Algunas películas buscan asustarnos con una presencia sobrenatural, otras con la violencia, la incertidumbre o aquello que puede esconderse dentro de nuestra propia mente.

Desde el terror gótico y las primeras películas de monstruos hasta el slasher, el body horror y el folk horror, estos son algunos de los principales tipos de terror que existen en el cine.

Terror gótico

El terror gótico es una de las grandes raíces del cine de terror. Sus historias suelen desarrollarse en castillos, mansiones, ruinas y otros espacios oscuros, donde aparecen secretos familiares, criaturas sobrenaturales, fantasmas y personajes perseguidos por su pasado.

Sus raíces están en la literatura gótica del siglo XVIII, especialmente desde la publicación de El castillo de Otranto, de Horace Walpole, en 1764. El cine tomó posteriormente muchos de sus elementos y los convirtió en parte de su propia estética. El expresionismo alemán de las décadas de 1910 y 1920 fue fundamental para construir ese imaginario, con películas como Nosferatu (1922), mientras que Drácula (1931)  y Frankenstein (1931) ayudaron a consolidar sus grandes figuras.

Terror sobrenatural

El terror sobrenatural presenta amenazas que no pueden explicarse mediante las leyes de la realidad. Fantasmas, espíritus, demonios, maldiciones y entidades desconocidas forman parte de sus historias, que suelen enfrentar a los personajes con aquello que escapa a toda explicación racional.

Sus antecedentes aparecen prácticamente desde los comienzos del cine fantástico. Durante el cine mudo, y especialmente con el expresionismo alemán, comenzaron a desarrollarse muchas de las imágenes y atmósferas que luego se convertirían en convenciones del género. El gabinete del doctor Caligari (1920) y Nosferatu (1922) son dos ejemplos fundamentales de esa primera etapa, mientras que décadas más tarde películas como El sexto sentido (1999) y El conjuro (2013) llevaron el terror sobrenatural a nuevas generaciones.

Terror psicológico

El terror psicológico lleva el miedo hacia la mente de los personajes. La paranoia, los traumas, las obsesiones y la dificultad para distinguir entre realidad y fantasía pueden ser más importantes que cualquier monstruo o amenaza sobrenatural.

Sus antecedentes pueden encontrarse en el expresionismo alemán de los años 20, aunque el subgénero adquirió una identidad cada vez más definida durante el siglo XX, a medida que el cine comenzó a explorar la subjetividad de sus protagonistas. El resplandor (1980) convirtió el aislamiento y la pérdida de control en una experiencia aterradora, mientras que películas posteriores como El cisne negro (2010), Hereditary (2018) y Saint Maud (2019) llevaron esa exploración hacia la identidad, la familia y la percepción.

Terror de fantasmas

El terror de fantasmas tiene como protagonistas a espíritus o apariciones de personas fallecidas que regresan al mundo de los vivos. Muchas de estas historias utilizan casas, hoteles, hospitales u otros espacios cargados de recuerdos para construir una atmósfera inquietante.

Es uno de los tipos de terror más antiguos del cine. Sus primeras manifestaciones pueden rastrearse hasta las películas de trucajes de finales del siglo XIX, cuando cineastas como Georges Méliès utilizaron efectos visuales para crear apariciones y transformaciones. Con el tiempo, el subgénero fue mucho más allá del susto y comenzó a utilizar a los fantasmas para hablar de la muerte, la memoria y la culpa, como ocurre en Los otros (2001), El orfanato (2007) o El aro (1998).

Terror de posesiones

En el terror de posesiones, una persona es controlada por una entidad sobrenatural. La lucha por recuperar el cuerpo y expulsar a esa presencia suele convertirse en el centro de la historia, muchas veces acompañada por rituales, exorcismos y conflictos relacionados con la fe.

Aunque las historias de posesiones existen desde mucho antes que el cine, el subgénero alcanzó una enorme popularidad con El exorcista (1973), dirigida por William Friedkin y basada en la novela de William Peter Blatty. Su enorme impacto convirtió las posesiones demoníacas en uno de los grandes clásicos del terror y abrió el camino para películas como El exorcismo de Emily Rose (2005) y El conjuro 2 (2016).

Folk horror

El folk horror encuentra el miedo en las tradiciones, las creencias y los rituales de comunidades aisladas. Sus protagonistas suelen llegar a lugares donde las costumbres locales son desconocidas para ellos y terminan enfrentándose a prácticas que desafían su propia manera de entender el mundo.

El término comenzó a utilizarse especialmente para describir una corriente del cine británico de finales de los años 60 y principios de los 70. El general de las brujas (1968), La garra de Satán (1971) y El hombre de mimbre (1973) fueron fundamentales para establecer sus características. Décadas más tarde, La bruja (2015) y Midsommar (2019) recuperaron esa combinación de aislamiento, rituales y creencias ancestrales desde perspectivas contemporáneas.

Slasher

El slasher suele presentar a un asesino que persigue a un grupo de personajes y los mata uno por uno. La persecución, la identidad del asesino y las diferentes formas de representar los crímenes son algunos de sus elementos más reconocibles.

Aunque tiene antecedentes en películas como Psicosis (1960) y Peeping Tom o El fotógrafo del pánico (1960), ambas estrenadas en 1960, el subgénero adquirió sus características más reconocibles durante los años 70 y 80. Halloween (1978), de John Carpenter, fue fundamental para su consolidación y abrió el camino para títulos como Viernes 13 (1980) y Pesadilla en Elm Street (1984). Años después, Scream (1996) recuperó sus convenciones y, al mismo tiempo, jugó con ellas.

Giallo

El giallo nació en Italia durante los años 60 y combina elementos del misterio, el thriller, el policial y el terror. Los asesinatos, las investigaciones, las identidades ocultas y una puesta en escena particularmente estilizada son algunas de sus características más reconocibles.

Su nombre proviene de las novelas policiales italianas de tapas amarillas. Mario Bava fue uno de sus grandes pioneros, mientras que Dario Argento llevó el estilo a una enorme popularidad durante los años 70 con películas como El pájaro de las plumas de cristal, Rojo profundo (1975) y Suspiria (1977). Aunque no todas sus obras encajan de la misma manera en el género, Argento se convirtió en una de sus figuras fundamentales.

Body horror

En el body horror, el cuerpo humano se convierte en el principal escenario del miedo. Mutaciones, enfermedades, transformaciones, mutilaciones y pérdida de control físico son algunos de sus recursos más frecuentes.

Aunque existen antecedentes anteriores, el subgénero tomó especial fuerza durante los años 70 y 80. El cineasta canadiense David Cronenberg fue una de sus figuras fundamentales con películas como Shivers (1975), Rabia (1977), Videodrome (1983) y La mosca (1986), utilizando muchas veces el cuerpo para hablar de identidad, sexualidad, enfermedad o tecnología. En el cine contemporáneo, Raw (2016) y Titane (2021) llevaron esas preocupaciones hacia nuevas formas de transformación corporal.

Gore

El gore lleva la representación de la sangre, las heridas y las mutilaciones a un nivel explícito. En este tipo de películas, la violencia gráfica puede convertirse en uno de los principales recursos para generar impacto, repulsión o incluso humor negro.

Aunque el cine de terror ya había utilizado imágenes sangrientas, el gore comenzó a desarrollarse como una corriente reconocible especialmente durante los años 60, con cineastas como Herschell Gordon Lewis, cuya película Banquete de sangre (1963) suele ser considerada una de las obras pioneras del género. Con el tiempo, el recurso apareció en películas muy diferentes entre sí, desde Braindead (1992) hasta fenómenos contemporáneos como Terrifier (2016).

Found footage

El found footage presenta la historia como si hubiera sido construida a partir de grabaciones encontradas: cámaras domésticas, filmaciones personales, cámaras de seguridad u otros registros que aparentan ser reales.

Uno de sus antecedentes más conocidos dentro del terror es Holocausto caníbal (1980), de Ruggero Deodato, aunque el recurso alcanzó una popularidad masiva con The Blair Witch Project (1999). Durante los años 2000, películas como REC (2007) y Actividad paranormal (2007) demostraron que esta estética podía convertirse en una forma especialmente efectiva de generar la sensación de que los acontecimientos realmente estaban ocurriendo frente a la cámara.

Terror de monstruos y criaturas

El terror de monstruos y criaturas enfrenta a los protagonistas con seres capaces de representar una amenaza física. Pueden ser criaturas sobrenaturales, animales, extraterrestres o incluso organismos creados mediante experimentos científicos.

El cine de monstruos tuvo un momento fundamental durante los años 30, cuando los estudios de Hollywood convirtieron a personajes como Drácula (1931), Frankenstein (1931), la Momia (1932) y el Hombre Lobo (1941) en grandes íconos del terror. El subgénero continuó transformándose y encontró nuevas formas de generar miedo: Tiburón (1975) convirtió a un animal real en una amenaza aterradora, mientras que Alien, el octavo pasajero (1979) y Cloverfield (2008) llevaron el concepto hacia criaturas de origen desconocido.

Terror de vampiros

El terror de vampiros es uno de los subgéneros más antiguos y reconocibles del cine. Sus historias suelen girar alrededor de criaturas que se alimentan de sangre y que, dependiendo de la época, pueden aparecer como monstruos, figuras seductoras, seres trágicos o personajes románticos.

El vampiro tiene raíces en distintas leyendas y tradiciones, pero la versión moderna quedó fuertemente asociada con Drácula, la novela publicada por Bram Stoker en 1897. En el cine, Nosferatu (1922) se convirtió en una de sus primeras representaciones fundamentales y, décadas más tarde, películas como Entrevista con el vampiro (1994) y Déjame entrar (2008) demostraron hasta qué punto el personaje podía alejarse del monstruo clásico.

Terror de zombis

Las primeras películas de zombis aparecieron durante la década de 1930, pero la figura del muerto viviente cambió radicalmente con George A. Romero. Su película La noche de los muertos vivientes (1968) redefinió al zombi y estableció muchas de las características que todavía reconocemos en el género.

A partir de Romero, los zombis también se convirtieron en una herramienta para hablar de otros problemas. El amanecer de los muertos (1978) utilizó a los muertos vivientes para construir una mirada sobre la sociedad de consumo, mientras que películas posteriores como 28 días después (2002) y Estación zombie: Tren a Busan (2016) exploraron el apocalipsis, la supervivencia y el comportamiento humano frente a una crisis.

Terror de ciencia ficción

El terror de ciencia ficción combina los recursos del horror con temas propios de la ciencia ficción: tecnología, experimentos, extraterrestres, mutaciones, inteligencia artificial y futuros distópicos.

Sus antecedentes aparecen desde las primeras décadas del cine, pero tuvo un enorme desarrollo durante los años 50, cuando los temores relacionados con la tecnología, las armas nucleares y las mutaciones comenzaron a ocupar un lugar central. Décadas después, Alien convirtió una nave espacial en un escenario de terror, La cosa llevó el miedo hacia la transformación y la paranoia, y películas como Ex Machina exploraron los peligros asociados con la inteligencia artificial.

Terror cósmico

El terror cósmico enfrenta a la humanidad con fuerzas antiguas, desconocidas e incomprensibles. En lugar de centrarse únicamente en el peligro físico, este tipo de horror juega con la idea de que existen realidades y entidades que están completamente fuera de nuestra capacidad de comprensión.

Sus principales raíces se encuentran en la literatura de H. P. Lovecraft, especialmente en los relatos publicados durante las décadas de 1920 y 1930. Su influencia llegó posteriormente al cine y puede encontrarse, con diferentes niveles de fidelidad, en películas como El vacío (2016), Color del espacio (2019) y El infinito (2017), donde el miedo surge también de enfrentarse con algo que supera los límites de la experiencia humana.

Terror social

El terror social utiliza los recursos del género para explorar conflictos presentes en la sociedad, como el racismo, la desigualdad, la violencia, la discriminación y las relaciones de poder.

Aunque el cine de terror siempre estuvo atravesado por los problemas de cada época, algunas películas hicieron de esas cuestiones el centro de sus historias. La noche de los muertos vivientes (1968) es uno de los ejemplos históricos más estudiados, mientras que Candyman (1992) y ¡Huye! (2017) utilizaron el horror para abordar distintas formas de violencia y discriminación en la sociedad estadounidense.

Terror feminista

El terror feminista utiliza el género para explorar experiencias vinculadas con el cuerpo, la sexualidad, la maternidad, la violencia y las relaciones de poder. En estas historias, el miedo puede surgir de experiencias cotidianas y de las estructuras sociales que condicionan la vida de sus protagonistas.

No existe una fecha única para su nacimiento. Sus antecedentes pueden encontrarse en películas como Repulsion (1965) y El bebe de Rosemary (1968), mientras que posteriormente distintas cineastas utilizaron el terror para abordar cuestiones relacionadas con la autonomía corporal y las expectativas sociales. El Babadook (2014), Raw (2016), Titane (2021) y Fresh (2022) son algunos ejemplos de películas contemporáneas que pueden leerse desde esta perspectiva.

Comedia de terror

La comedia de terror combina situaciones propias del horror con humor, sátira o parodia. Puede burlarse directamente de las convenciones del género o utilizar el humor negro para hacer todavía más incómodas determinadas situaciones.

Aunque el humor y el terror convivieron desde los primeros años del cine, la combinación se volvió especialmente popular durante el siglo XX. Películas como Muertos de risa (2004), Tucker y Dale contra el mal (2010) y Lo que hacemos en las sombras (2014) demostraron que una historia puede provocar miedo y, al mismo tiempo, reírse de las propias reglas del género.

¿Cuántos géneros y subgéneros del terror existen?

No existe una clasificación definitiva de los géneros y subgéneros del terror, ya que muchas categorías pueden combinarse entre sí. Una misma película puede mezclar terror psicológico, sobrenatural, slasher, ciencia ficción o terror de criaturas, entre otros.

Por eso, más que una lista cerrada, los subgéneros del terror forman un universo que continúa transformándose junto con los miedos de cada época.

La entrada Géneros y subgéneros del cine de terror se publicó primero en El séptimo arte.

¿Cuáles fueron las películas que las llevaron a obtener el reconocimiento? A continuación, te presentamos las ganadoras del Óscar a Mejor Actriz de Reparto de los últimos 20 años:

2006 — Rachel Weisz, 35 años, por El jardinero fiel

El jardinero fiel, dirigido por Fernando Meirelles (Ciudad de Dios), es un thriller dramático que sigue a un diplomático británico que investiga la muerte de su esposa y descubre una trama vinculada con la industria farmacéutica.

Rachel Weisz interpretó a Tessa Quayle, un papel por el que obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 35 años. 

2007 — Jennifer Hudson por Dreamgirls

Dreamgirls, dirigida por Bill Condon (Chicago), es un musical ambientado en la industria de la música durante los años 60 y 70, que sigue el ascenso de un grupo de cantantes y las dificultades que atraviesan en su camino hacia el éxito.

Jennifer Hudson dio vida a Effie White, uno de los papeles más destacados de su carrera, por el que obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 25 años. 

2008 — Tilda Swinton por Michael Clayton

Michael Clayton, dirigida por Tony Gilroy (Duplicity), es un thriller judicial centrado en un abogado especializado en resolver los problemas más delicados de un importante estudio jurídico, que se enfrenta a uno de los casos más complejos de su carrera.

Después de películas como Orlando, El profundo final y Constantine, Tilda Swinton obtuvo el máximo premio a los 47 años.

2009 — Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona

Vicky Cristina Barcelona, dirigida por Woody Allen (Annie Hall), sigue a dos jóvenes estadounidenses que viajan a Barcelona y se ven envueltas en una relación con un artista español y su temperamental exesposa.

Penélope Cruz interpretó a María Elena y obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 34 años, convirtiéndose en la primera actriz española en ganar un premio de la Academia de Hollywood.

2010 — Mo’Nique por Precious

Precious cuenta la historia de una adolescente que atraviesa una situación familiar marcada por la violencia y el abandono mientras intenta encontrar una nueva oportunidad para su vida.

El drama, basado en la novela Push de Sapphire y dirigida por Lee Daniels (El mayordomo), tiene a Mo’Nique en el papel de Mary Lee Johnston, una interpretación que le valió el máximo premio a los 42 años.

2011 — Melissa Leo por El ganador

El ganador, dirigida por David O. Russell (El lado luminoso de la vida), reconstruye la historia real del boxeador Micky Ward, quien intenta abrirse camino en el mundo del boxeo mientras lidia con una familia marcada por conflictos.

Melissa Leo interpretó a Alice Ward, madre de Ward, y obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 50 años.

2012 — Octavia Spencer por Historias cruzadas

Historias cruzadas, dirigida por Tate Taylor (La chica del tren), está ambientada en el Mississippi de los años 60 y sigue a un grupo de mujeres afroamericanas que trabajan como empleadas domésticas mientras enfrentan la discriminación y las desigualdades de la época.

Octavia Spencer dio vida a Minny Jackson y obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 41 años. Para entonces, ya había participado en películas como La vida de David Gale, Coach Carter y Siete almas.

2013 — Anne Hathaway por Los miserables

Los miserables, dirigida por Tom Hooper (El discurso del rey), adapta el clásico musical basado en la novela de Victor Hugo y sigue las vidas de distintos personajes durante la convulsionada Francia del siglo XIX.

Después de películas como El diablo viste a la moda, La boda de Rachel y Alicia en el país de las maravillas, Anne Hathaway interpretó a Fantine y obtuvo el máximo premio a los 30 años.

2014 — Lupita Nyong’o por 12 años de esclavitud

12 años de esclavitud está basada en la historia real de Solomon Northup, un hombre afroamericano que es secuestrado y obligado a vivir como esclavo durante doce años.

El drama histórico está dirigido por Steve McQueen (Shame) y tiene a Lupita Nyong’o como Patsey, una actuación que le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 31 años.

2015 — Patricia Arquette por Boyhood

Boyhood, dirigida por Richard Linklater (Antes del amanecer), sigue el crecimiento de Mason desde su infancia hasta la llegada a la adultez, mostrando a lo largo de los años los cambios en su familia, sus relaciones y su propia identidad.

Patricia Arquette dio vida a Olivia, la madre de Mason, y obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 46 años. Para entonces, ya había protagonizado películas como Más allá de Rangún, Ed Wood y Stigmata.

2016 — Alicia Vikander por La chica danesa

La chica danesa está inspirada en la historia real de Lili Elbe, una de las primeras personas conocidas en someterse a una cirugía de afirmación de género, y en su relación con la artista Gerda Wegener.

El drama está dirigido por Tom Hooper (Los miserables) y tiene a Alicia Vikander como Gerda, una actuación que le valió el máximo premio a los 27 años.

2017 — Viola Davis por Fences

Fences, dirigida por el mismísimo Denzel Washington (Malcolm X), está ambientada en la década de 1950 y sigue a una familia afroamericana de Pittsburgh mientras enfrenta las tensiones generadas por el pasado, las oportunidades perdidas y las dificultades de la vida cotidiana.

Después de películas como La duda, Historias cruzadas y Prisoners, Viola Davis interpretó a Rose Maxson y obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 51 años.

2018 — Allison Janney por Yo, Tonya

Yo, Tonya reconstruye la vida de la patinadora artística estadounidense Tonya Harding y el escándalo que marcó su carrera deportiva.

La película está dirigida por Craig Gillespie (Lars y la chica real) y tiene a Allison Janney como LaVona Golden, la madre de Tonya, en una actuación que le valió el premio de la Academia de Hollywood a los 58 años.

2019 — Regina King por Si la calle Beale hablara

Si la calle Beale hablara cuenta la historia de una joven pareja afroamericana que intenta construir su futuro mientras enfrenta las consecuencias de una acusación injusta.

El drama, basado en la novela de James Baldwin, está dirigido por Barry Jenkins (Moonlight) y protagonizado por Regina King como Sharon Rivers, una interpretación que le valió el máximo premio a los 48 años.

2020 — Laura Dern por Historia de un matrimonio

Historia de un matrimonio, dirigida por Noah Baumbach (Frances Ha), retrata la separación de Charlie y Nicole, una pareja que intenta atravesar un divorcio mientras busca preservar el vínculo con su hijo y reconstruir sus propias vidas.

Laura Dern dio vida a Nora Fanshaw, la abogada de Nicole, y obtuvo el Óscar a Mejor Actriz de Reparto a los 52 años. Para entonces, ya había protagonizado películas como Terciopelo azul, Corazón salvaje y Jurassic Park.

2021 — Youn Yuh-jung por Minari

Minari sigue a una familia surcoreana que se muda a Arkansas, Estados Unidos, en busca de una nueva vida y enfrenta los desafíos de adaptarse a un entorno completamente diferente.

El drama está dirigido por Lee Isaac Chung (Munyurangabo) y protagonizado por Youn Yuh-jung, quien obtuvo el premio Academia de Hollywood a los 73 años, convirtiéndose en la primera actriz surcoreana en ganar un Óscar.

2022 — Ariana DeBose por Amor sin barreras

Amor sin barreras es una nueva adaptación de Steven Spielberg (Jurassic Park) del clásico musical que cuenta la historia de amor entre Tony y María, dos jóvenes pertenecientes a bandas rivales de Nueva York.

La película tiene a Ariana DeBose como Anita, una actuación que le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 31 años.

2023 — Jamie Lee Curtis por Todo en todas partes al mismo tiempo

Todo en todas partes al mismo tiempo, de Daniel Kwan y Daniel Scheinert, combina ciencia ficción, comedia y acción para contar la historia de Evelyn Wang, una mujer que descubre que debe enfrentarse a una amenaza que atraviesa múltiples universos.

Jamie Lee Curtis interpretó a Deirdre Beaubeirdra y obtuvo el máximo premio a los 64 años. Para entonces, ya había protagonizado películas como Halloween, Un pez llamado Wanda y Mentiras verdaderas.

2024 — Da’Vine Joy Randolph por Los que se quedan

Los que se quedan transcurre durante las vacaciones de Navidad de 1970 y sigue a un profesor, un estudiante y una cocinera que permanecen en una escuela mientras el resto de la comunidad se marcha.

La comedia dramática está dirigida por Alexander Payne (Entre copas) y tiene a Da’Vine Joy Randolph como Mary Lamb, una actuación que le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto a los 37 años.

2025 — Zoe Saldaña por Emilia Pérez

Emilia Pérez, dirigida por Jacques Audiard (El profeta), es un musical que sigue a Rita, una abogada que recibe una propuesta inesperada de un poderoso narcotraficante que quiere abandonar su vida criminal y comenzar una nueva identidad.

Tras participar en grandes éxitos de taquilla como Star Trek, Avatar y Guardianes de la Galaxia, Zoe Saldaña dio vida a Rita y obtuvo el premio de la Academia de Hollywood a los 46 años.

2026 — Amy Madigan por Weapons

Weapons, o La hora de la desaparición, dirigida por Zach Cregger (Barbarian), es una película de terror que sigue la misteriosa desaparición de 17 niños de una misma clase, todos menos uno, en una pequeña comunidad.

Amy Madigan interpretó a la tía Gladys y obtuvo el Óscar a Mejor Actriz de Reparto a los 75 años. Cuarenta años antes, había recibido su primera nominación al premio por Twice in a Lifetime.

¿Cuáles son tus papeles favoritos?

TE PUEDE INTERESAR

Ganadoras del Óscar a Mejor Actriz: todas las premiadas

La entrada Las ganadoras del Oscar a Mejor Actriz de Reparto de los últimos 20 años se publicó primero en El séptimo arte.

Cannes: un retroceso que vuelve a encender la alarma

Este año, en Cannes, solo 5 de las 22 películas de la competencia oficial están dirigidas por mujeres. Esto representa apenas el 23% de la selección y supone un retroceso respecto de 2025. La cifra contrasta, además, con el récord alcanzado en 2023, cuando seis directoras representaron el 33% de la competencia.

El reclamo ya había sido contundente en 2018, cuando 82 mujeres subieron juntas las escaleras de Cannes para representar a las únicas 82 directoras cuyas películas habían competido por la Palma de Oro desde 1946, frente a más de 1.600 directores hombres. Fue una de las protestas más importantes de la historia del festival.

Ocho años después, las cifras vuelven a plantear la misma pregunta: ¿cuándo las cineastas llegarán a representar el 50%?

Tres Palmas de Oro en 79 años

La Palma de Oro, el máximo premio de Cannes, también expone esa brecha. En los 79 años de historia del festival, solo tres mujeres ganaron este premio: Jane Campion por The Piano en 1993, Julia Ducournau por Titane en 2021 y Justine Triet por Anatomy of a Fall en 2023. 

Y hay otra contradicción: mientras los festivales incorporan mujeres a sus jurados, las directoras siguen siendo minoría en las competencias. La representación en los espacios de decisión no alcanza si las películas de mujeres siguen sin llegar a ellos.

Venecia: ocho años después del 50/50

Venecia presenta un escenario todavía más desigual en 2026. Solo una de las 20 películas de la competencia oficial está dirigida por una mujer: Woman Unknown, de la danesa-egipcia May el-Toukhy. Un año antes habían sido seis las directoras seleccionadas; también fueron seis en 2024, cinco en 2023, 2022 y 2021, y ocho en 2020.

El retroceso resulta especialmente significativo porque Venecia había firmado en 2018 el compromiso internacional 50/50 de paridad de género. Ocho años después, las cifras muestran que la paridad todavía está muy lejos.

Siete Leones de Oro para mujeres

El León de Oro, el máximo premio de Venecia, también refleja esa falta de equidad: en los 94 años de historia del festival, solo siete mujeres lograron llevarse este premio. Sin embargo, tres de esas victorias se concentraron en apenas tres años: Chloé Zhao ganó en 2020 con Nomadland, Audrey Diwan en 2021 con Happening y Laura Poitras en 2022 con All the Beauty and the Bloodshed.

El problema empieza mucho antes de los festivales

La falta de representación no se debe a la escasez de directoras. Las mujeres siguen teniendo menos acceso a financiación, producción y puestos de decisión, lo que condiciona qué películas consiguen hacerse y cuáles llegan después a los grandes festivales.

En Francia, un informe sobre las 206 películas producidas en 2025 mostró que las mujeres representaron apenas el 33% de quienes dirigieron esas películas. La participación femenina fue aún menor entre quienes escribieron los guiones, con un 31%, y cayó al 15% en dirección de fotografía.

En Venecia, la presidenta del jurado de 2026, Maggie Gyllenhaal, señaló directamente el problema: a las mujeres les resulta más difícil conseguir financiación y muchas veces las historias que quieren contar no son consideradas arte.

¿Existen festivales que buscan mayor representación femenina y LGBTQ+?

Más allá de Cannes y Venecia, existen festivales que trabajan específicamente para ampliar la presencia de distintas voces en el cine. En Argentina, La Mujer y el Cine, Bendita Tú y FIDiG Cine abordan distintas perspectivas vinculadas con las mujeres, el género y la diversidad.

En Europa y Estados Unidos, festivales como Cine por Mujeres, IFFF, LA Femme y Frameline reúnen películas dirigidas por mujeres y obras vinculadas con la comunidad LGBTQ+. Estos espacios también funcionan como plataformas para películas que todavía encuentran obstáculos para llegar a los grandes festivales internacionales.

¿Quién decide qué historias llegan a los festivales?

La pregunta, entonces, no es solamente dónde están las directoras, sino también quién decide qué historias consiguen financiación, cuáles llegan a producirse y cuáles tienen finalmente un lugar en las principales competencias internacionales.

Cuando Cannes y Venecia siguen seleccionando una mayoría de películas dirigidas por hombres, la desigualdad no queda reducida a una cuestión de porcentajes: también condiciona qué miradas y qué historias llegan a las grandes pantallas y, finalmente, al público.

¿Cuántas historias de mujeres todavía quedan afuera antes de que podamos siquiera verlas?

TE PUEDE INTERESAR

Los festivales de cine más importantes del mundo: Cannes, Venecia, Berlín y más

La entrada Cannes y Venecia 2026: ¿dónde están las directoras? se publicó primero en El séptimo arte.

Algunos nacieron como iniciativas culturales en momentos históricos clave y, con el paso del tiempo, se transformaron en grandes referentes del cine mundial ¡Conocelos!

Festival de Cine de Cannes

Creado en 1946, el Festival de Cannes fue impulsado originalmente por Jean Zay, ministro francés de Educación Nacional y Bellas Artes, junto al diplomático Philippe Erlanger. Nació con el objetivo de crear un encuentro internacional que celebrara la libertad artística y el intercambio cultural después de la Segunda Guerra Mundial. 

Su máximo reconocimiento es la Palma de Oro, otorgada por un jurado internacional. Se destaca por su apoyo al cine de autor, las producciones internacionales y el descubrimiento de nuevas voces cinematográficas.

Festival de Cine de Venecia

Fundado en 1932, el Festival Internacional de Cine de Venecia es el festival cinematográfico más antiguo del mundo. Se desarrolla en la isla del Lido de Venecia, Italia, como parte de la Bienal de Venecia.

Fue impulsado por Giuseppe Volpi, presidente de la Bienal, junto al escultor Antonio Maraini y el historiador Luciano De Feo, quienes buscaron crear un espacio dedicado al reconocimiento del cine como expresión artística.

Su principal galardón es el León de Oro, entregado por un jurado internacional. Es reconocido por su prestigio artístico y por presentar películas que luego tienen gran impacto mundial.

Festival de Cine de Locarno

Fundado en 1946, el Festival Internacional de Cine de Locarno se celebra cada año en la ciudad de Locarno, Suiza. Surgió en el contexto de la reconstrucción cultural europea después de la Segunda Guerra Mundial.

Uno de sus elementos más reconocibles es la proyección de películas en la Piazza Grande, que se transforma en una gran sala de cine al aire libre durante el festival.

Su máximo galardón es el Leopardo de Oro y se caracteriza por impulsar el cine de autor y descubrir nuevos talentos.

Festival de Cine de Berlín (Berlinale)

Creado en 1951, el Festival Internacional de Cine de Berlín se realiza en Berlín, Alemania, y forma parte de los tres grandes festivales internacionales junto a Cannes y Venecia.

Nació por iniciativa de Oscar Martay, oficial de cine del gobierno militar estadounidense en Berlín Occidental, junto al historiador Alfred Bauer, en el contexto de la reconstrucción cultural de la ciudad tras la Segunda Guerra Mundial.

Su máximo premio es el Oso de Oro y se caracteriza por su compromiso con el cine de autor, las historias sociales y las nuevas propuestas cinematográficas.

Festival de Sundance

Fundado en 1978, el Festival de Sundance se celebra en Utah, Estados Unidos, y es el evento más importante dedicado al cine independiente.

Fue creado por el actor y director Robert Redford junto a otros impulsores del cine independiente con el objetivo de apoyar a nuevos realizadores y ofrecer un espacio a películas alejadas de los grandes estudios de Hollywood.

Sus principales reconocimientos son el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público. A lo largo de su historia se convirtió en una plataforma clave para descubrir nuevos talentos.

Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF)

Creado en 1976, el Festival Internacional de Cine de Toronto se realiza en Toronto, Canadá, y es uno de los festivales con mayor influencia dentro de la industria.

Fue fundado por Bill Marshall, Henk Van der Kolk y Dusty Cohl bajo el nombre de “Festival of Festivals”, con la intención de reunir las mejores producciones cinematográficas internacionales.

Su premio más reconocido es el People’s Choice Award, elegido por el público, y se destaca por su influencia en la temporada de premios.

Festival de Cine de San Sebastián

Fundado en 1953, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián se celebra en San Sebastián, España, y es uno de los festivales más importantes del cine en español.

Fue creado por comerciantes y empresarios de la ciudad con apoyo institucional, inicialmente como una iniciativa cultural vinculada al turismo, aunque rápidamente ganó prestigio internacional.

Su máximo reconocimiento es la Concha de Oro y se caracteriza por impulsar el cine de autor, el talento emergente y las producciones internacionales.

Festival de Cine de Mar del Plata

Creado en 1954, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es el festival cinematográfico más importante de Argentina y uno de los más destacados de Latinoamérica.

Su primera edición fue organizada por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina y con el tiempo se convirtió en un espacio fundamental para la difusión del cine nacional e internacional.

Su principal galardón es el Astor y actualmente es el único festival de Latinoamérica reconocido con categoría A por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF).

La importancia de los festivales de cine

Más allá de los premios, los festivales cumplen un papel fundamental en la evolución del cine: permiten que nuevas películas lleguen al público, impulsan carreras de directores y actores, y mantienen viva la diversidad de la producción cinematográfica mundial.

Desde Cannes hasta Sundance, cada festival representa una manera diferente de descubrir, debatir y celebrar el séptimo arte.

TE PUEDE INTERESAR
Cannes y Venecia 2026: ¿dónde están las directoras?

La entrada Los festivales de cine más importantes del mundo: Cannes, Venecia, Berlín y más se publicó primero en El séptimo arte.

La película sigue el viaje de Odiseo (Damon), quien, tras la Guerra de Troya, debe enfrentarse a monstruos, ninfas y dioses durante su largo regreso a Ítaca, donde lo esperan su esposa, Penélope (Hathaway), y su hijo, Telémaco (Holland).

Con una narración no lineal, flashbacks y alucinaciones, el director consigue que el espectador experimente una desorientación similar a la de Odiseo mientras encadena una escena impactante tras otra. La estructura fragmentada acompaña un viaje en el que pasado, presente, recuerdos y delirios se mezclan constantemente.

Christopher Nolan se toma pocas licencias y adapta el poema del siglo VIII a. C. a un lenguaje más accesible para el público contemporáneo. Aunque, como otros directores, evita mostrar físicamente a dioses como Zeus y Poseidón, su presencia se percibe a través del estruendo de los truenos, las tormentas y las olas.

El director de El origen no se limita a algunos episodios del poema y aborda casi todos los grandes encuentros del viaje de Odiseo y sus hombres: el cíclope, los gigantes, Circe, el Hades y Calipso, en una enorme apuesta visual. Sin embargo, las sirenas, Escila y Caribdis quedan algo apresuradas en comparación con el desarrollo de otros episodios.

Pero donde la película más decepciona es en el tratamiento de Atenea, interpretada por Zendaya, la única diosa a la que Christopher Nolan decide mostrar. En el poema de Homero, Atenea es fundamental: guía a Odiseo hacia Ítaca, acompaña a Penélope y Telémaco durante la ausencia del rey y protege a Odiseo durante la batalla con los pretendientes de Penélope. Su presencia atraviesa buena parte de la historia. Sin Atenea no hay La Odisea. Aun así, la película decide relegarla.

La historia no es únicamente un viaje de regreso, sino también un viaje emocional que atraviesa la desilusión de la guerra, la fragilidad del heroísmo y la nobleza, el peso de la conciencia, los desafíos impuestos por los dioses y el temor de no volver jamás a la tierra que lo vio nacer.

Filmada con cámaras IMAX de 70 mm, La Odisea despliega una fotografía grandiosa a cargo de Hoyte van Hoytema, director de fotografía habitual de Nolan, mientras que la banda sonora de Ludwig Göransson potencia cada paisaje, batalla y criatura. Es una película que pide ser experimentada en una pantalla gigante, donde su escala visual adquiere otra dimensión.

Matt Damon se destaca al frente del elenco, acompañado por un reparto de enorme talento. Sin embargo, el film desaprovecha a intérpretes como Anne Hathaway, Zendaya y Lupita Nyong’o, cuyos personajes podrían haber tenido una presencia mucho más significativa.

La Odisea es grandiosa, épica y absorbente. Una película concebida para ser vista en una sala de cine y que funciona también como un grito de resistencia frente al avance de las plataformas de streaming.

TE PUEDE INTERESAR

Curiosidades sobre La Odisea

La entrada Crítica de La Odisea: lo mejor de Christopher Nolan se publicó primero en El séptimo arte.

El thriller sigue a Bear (Johnston), quien, desesperadamente enamorado de su amiga Nikki (Navarrette), compra un “Sauce de un Deseo” y pide que ella lo ame “más que a nada en este mundo”, desencadenando una historia aterradora y retorcida.

Lo que comienza como una comedia romántica deviene progresivamente en un thriller violento que, sin abandonar el humor negro, incrementa su intensidad. La película transita por el slasher, el gore y los jumpscares sin que ninguna de esas transformaciones se sienta forzada.

Desde su propio desarrollo narrativo, el film deja en claro que el villano es Bear, pero resulta imprescindible detenerse en aquello que desencadena el conflicto: el protagonista le arrebata a Nikki toda autonomía sobre su propio cuerpo y anula su consentimiento. No es Nikki quien decide estar con él; es el amarre que Bear le impone.

Obsesión funciona así como un espejo de las expectativas misóginas de muchos varones sobre las mujeres, donde se cruzan la manipulación, el control y la codependencia que atraviesan las relaciones tóxicas y violentas. Lo sobrenatural no hace más que llevar al extremo dinámicas que, en diferentes formas, existen en el mundo real.

Como producción independiente de bajo presupuesto, Obsesión aprovecha al máximo los espacios hogareños como escenario principal. Los efectos especiales son contundentes, mientras que la fotografía de tonos fríos y desaturados de Taylor Clemens y la banda sonora inquietante y desesperante de Rock Burwell contribuyen a construir una atmósfera cada vez más opresiva.

Las actuaciones cumplen, pero es Inde Navarrette quien se come la película. Su interpretación, extraordinariamente expresiva, se sostiene especialmente en una mirada y una sonrisa llevadas al extremo, que pueden remitir a Mia Goth en Pearl o a las perturbadoras sonrisas de Smile.

Obsesión es un thriller pesadillesco, perturbador y trágico, con una representación ambigua del consentimiento que convierte una premisa aparentemente absurda en una reflexión incómoda sobre el control y la violencia. Y deja, como una suerte de moraleja macabra, una vieja advertencia: cuidado con lo que deseas.

La entrada Crítica de Obsesión: el deseo de un varón se publicó primero en El séptimo arte.