El juego del calamar llegó a su final con tres temporadas y, a lo largo de la serie, fue ampliando su historia mucho más allá de los juegos mortales que sorprendieron al mundo en su primera entrega. La producción surcoreana creada por Hwang Dong-hyuk evolucionó en sus personajes, conflictos, escenarios y puesta en escena sin abandonar su crítica al dinero, el poder y la desigualdad.
Desde la primera temporada, centrada en los participantes y las reglas de la competencia, hasta la tercera y última entrega, El juego del calamar fue revelando progresivamente quiénes están detrás de los juegos y qué consecuencias tiene enfrentarse a la organización.
¿Cómo evolucionó la historia de El juego del calamar?
En la primera y segunda temporada de El juego del Calamar se desarrolla el conflicto central en el juego, sobre los jugadores y los que participan en el mismo.
En la tercera temporada la serie ofrece un análisis más profundo y global sobre la sociedad en sí. La historia parece acercarse más a Mr. Robot o incluso a House of Cards.
Aborda el poder de las élites y quienes quieren desmontarlas. Toman protagonismo temas políticos, espionaje, redes internacionales, e ideologías. Por lo tanto, la última temporada podría considerarse la más profunda y que más aporta a la interpretación.
De los juegos a la acción política
En la primera y segunda temporada el juego era el foco central de toda la serie. Los espectadores esperaban ver cómo eran las temáticas y los sobrevivientes.
En la tercera temporada, el foco se pone en la acción. Persecuciones y enfrentamientos se vuelven centrales. La violencia es impredecible.
En la primera, la serie se caracteriza por el género de tragedia y, en la segunda, se agrega drama y misterio. Pero la última adopta un tono más oscuro y político, incluso tiene una estructura de género de thriller.
El aumento del presupuesto de El juego del calamar
En la primera y segunda temporada de El juego del calamar el simbolismo era clave, colores y figuras geométricas abundaban. En la tercera eso se desarrolla aún más, convirtiéndola en una superproducción internacional, se nota un aumento de presupuesto, locaciones en diferentes países y escenas de acción más desarrolladas.
En la primera. hubo más ingenio que dinero, incluso su director reveló en entrevistas que al principio el objetivo de la serie era ser una crítica social más que un producto de entretenimiento masivo.
En la segunda, al ver el éxito que tuvo con el público, los recursos se duplicaron, y esto fue notorio en la expansión de escenarios, la mejora en efectos especiales, hubo más escenas en exteriores, cámaras móviles y una estética más dinámica.
La tercera y última temporada se convirtió en una superproducción internacional. Contaron con un presupuesto muchísimo más alto y con equipos técnicos de prestigio.
Sin embargo, estos aspectos recibieron críticas por parte de los espectadores más fanáticos diciendo que se perdió la esencia de la serie, y que les parecieron más perturbadoras las escenas con simplicidad y simbolismo.
La crítica al dinero y al poder se profundiza
En la primera temporada la serie desarrolla y profundiza en un mensaje y análisis sobre las clases sociales, donde los poderosos aprovechaban esas diferencias y empujaban a los más necesitados, por diferentes motivos, a competir por dinero, aunque su vida estuviera en riesgo.
Todo se centraba en lo que algunos estarían dispuestos a hacer en la desesperación por dinero, y cómo esto es aprovechado por personas con poder.
En la segunda temporada, decide profundizar en estos aspectos e incluye a la organización que desarrolla el juego, los focos de poder, y el aprovechamiento individualista.
Pero en la tercera y última temporada evoluciona todos estos aspectos al máximo y ofrece un mensaje más profundo y enriquecedor.
Cuestiona no solo el juego, sino el sistema, y muestra la violencia como un negocio, y no solo como un espectáculo. Nos lleva a reflexionar sobre todos esos poderes que manejan la sociedad, y nos brinda una visión más real que solo el juego que ofrece en la primera temporada.
Cambios en la dirección de arte y el ritmo
En la primera temporada, El juego del calamar tenía un estilo sobrio, con encuadres estáticos, casi teatrales, se mostraban planos generales para mostrar la vulnerabilidad de los personajes. Los episodios tenían un ritmo que permitía la conexión emocional con cada personaje.
En la segunda temporada la cámara adquirió más movilidad, haciendo planos secuencia, y adquirió nuevos escenarios y dinámicas en la historia, como mostrar el mundo que había detrás de los juegos.
En su lugar, la tercera temporada adquirió un ritmo que se asemeja más a la acción y el espionaje, se hizo un gran uso de cámara al hombro, drones, y efectos de profundidad de campo más marcados. Los escenarios se volvieron más realistas. La escenografía ya no busca solo un impacto simbólico, sino que adquiere credibilidad del espacio.
El sonido y los efectos especiales de El juego del calamar
Por supuesto que todos estos aspectos mencionados anteriormente se reflejan también en el sonido y los efectos especiales.
En la primera temporada el uso del sonido era minimalista, había una fuerte presencia de sonido ambiente y silencios intensos. Optaron por generar impacto musical a través de la famosa canción “Fly Me to the Moon” en versión instrumental, que generaba un contraste inquietante con la violencia. La mayoría de los efectos eran prácticos: sangre, explosiones, caídas. Se usó CGI solo en casos puntuales, como las multitudes o el ambiente de ciertos juegos.
En la segunda temporada pudimos notar cambios en el sonido, y se agregó música de tensión, efectos digitales. Todo esto hizo que el diseño de sonido cobrara un rol más activo. El CGI se volvió más frecuente para representar escenarios más complejos. Aun así, se mantuvo el esfuerzo por usar efectos prácticos cuando era posible.
En la tercera temporada, la música adopta un rol más protagónico. Hay composiciones orquestales, temas propios para personajes, y un diseño sonoro sofisticado que recuerda a películas de espionaje. El sonido guía el ritmo narrativo como en una gran producción de acción.
La última temporada hace uso intensivo de efectos digitales: simulaciones de estructuras, escenarios generados por computadora, fondos digitales y retoque de escenas complejas. Se nota la integración de tecnologías de producción virtual (como pantallas LED o entornos digitales en tiempo real), lo que permite crear mundos más detallados sin perder realismo.
Después de tres temporadas, El juego del calamar cerró una historia que comenzó como una competencia de supervivencia y terminó convirtiéndose en una reflexión sobre la desigualdad, el dinero, el poder y la condición humana. La evolución de sus personajes, sus juegos y su puesta en escena permitió ampliar el universo de la serie sin perder los elementos que la hicieron un fenómeno mundial.
¿Cuál fue tu temporada favorita y qué opinás del final de la serie?
Dejanos tu comentario